Sun: The Roots Of Rock, Vol. 8 - Sun Rocks (Sonny Burgess, Warren Smith, Billy Riley)

"SUN - THE ROOTS OF ROCK SERIES
Charly Records

This albums contains recordings from the legendary Sun Records Company of Memphis,  Tennessee whose story is the story of rock and roll music, its roots, its up surgence and its  tributaries. It is the story of how label boss Sam Cornelius Phillips was able to create a  legend out of the rockabilly sound he discovered by putting together elements of blues and  country music

The Sun label was formed in 1952, an extension of Phillips' Memphis Recording Service  begun in 1950. It reflected the blues and country talent of Memphis and the Mississippi  Delta-Atkansas area, and it later came to reflect Sam Phillips' search for a new sound in  popular music. In three years, between 1954 and 1956, Sam Phillips realized his ambition by  discovering white artists who could sing they blues, and he saw many of them become the  initial legends in rock music; first Elvis Presley, then Carl Perkins, Johnny Cash, Roy Orbison  and Jerry Lee Lewis. Finally, his subsidiary label, Phillips International, produced Carl Mann  and Charlie Rich. Rich is only the latest in a line of superstars to emerge from a career  begun in Memphis, Tennessee.

The Sun label lasted under Phillips until 1968, recording blues, country, rock and roll, soul,  pop and Phillips' own sound, rockabilly. The label went from local to national and  international importance, and it carried its unique sound around the world, influencing  many of the musical styles that have emerged since. This series, The Root Of Rock, includes  many of those influential sound yet demands that many fine, previously unissued recordings  be included.

Series compiled and annotated by Martin Hawkins (co-author of ''Catalyst - The Sun Records Story'' by  Escott/Hawkins published by Aquarius Books, I Wardour Mews, London W.I.

(...)

1977 Charly Records (LP) 33rpm CR 30115 mono
SUN - THE ROOTS OF ROCK - VOLUME 8 - SUN ROCKS

16-track vinyl LP compilation of recordings from the legendary Sun Record label, whose story is the story of rock and roll, with previously unissued songs by the artists Sonny Burgess, BillyRiley and Warren Smith, front laminated picture sleeve.

In the second half of the fifties, rock was what Sun was all about. The label had made half a dozen major stars and the queue of hopefuls outsite the door was growing always loner. Many of these queueing were literally being hopeful, but some were genuinely talented. Of these, Sun produced its three great unknowns; Sonny Burgess, Billy Lee Riley and Warren Smith.

These three were unlucky in not obtaining the breaks that would get them a hit record, but in the days of early rock and roll they were all dynamic artists capable of holding any audience. With one exception the tracks on this album have never been released before (1977) and they still hold the power and drive that created them back in the Tennessee of 1956 to 1959. With these tracks, the Sun legend not only lives, it expands.

Sonny Burgess
Born in Newport, Arkansas in 1931, Burgess was the wildest stage performer on Sun, and the artist most intro real rhythm and blues. Burgess had a style, that's very apparent from all his recordings with their muffled rhythm and beat and caustic vocals and lead guitar work, but his style was basically taken from rhythm and blues artists like Smiley Lewis, Lowell Fulson and later Jimmy Reed.

On this album, Burgess pays tribute to some of his influences, the Lewis, Domino, Presley hit ''One Night'', for instance, and ''My Babe'' and Crudup's  ''So Glad You're Mine''. This is all great stuff, as are the Burgess originals like ''Mr. Blues'' with fine interplay from guitar and piano and the ecstatic ''Little Town Baby''. ''I Love You So'' is an interesting alternate take of his own ''A Kiss Goodnite''.

Billy Riley
Like Burgess, Riley, from Pocohontas, Arkansas, was rhythm and blues influenced. They both came from country music backgrounds but they adapted well to rock. Riley had a fine edge to his voice which is capable of many styles. Here we have solid interpretations of the Coasters ''Searchin'''and Lewis's ''Let's Talk About Us'' plus a rockaballad ''Just One More Time'' and the frantic bass-slapper ''She's My Baby''. The latter is an alternate treatment of the theme of Riley's best known song, ''Red Hot''.

Warren Smith
Smith, from Louise, Mississippi, was much more of a country artist as shown in the rockabilly version of ''Who''. More solid are ''Do I Love You'' and ''I Like Your Kinda Love'' while ''Who Took My Baby'' again has a country rockabilly feel to it.

All recordings made at the Sun Studio, 706 Union Avenue, Memphis, Tennessee."

(http://www.706unionavenue.nl/70661176)

Side 1: Contains
My Babe (Sonny Burgess); I Love You So (Sonny Burgess);
Mr Blues (Sonny Burgess); So Glad You're Mine (Sonny Burgess);
One Night (Sonny Burgess); Little Town Baby (Sonny Burgess);
So Soon (Sonny Burgess); Tomorrow Night (Sonny Burggess)
Original Sun Recordings

Side 2: Contains
One More Time (Billy Riley); Let's Talk About Us (Billy Riley);
Searchin' (Billy Riley); She's My Baby (Billy Riley);
Do I Love You (Warren Smith); Who Took My Baby (Warren Smith);
I Like Your Kinda Love (Warren Smith); Who (Warren Smith)
Original Sun Recordings

Disco e capa em excelente estado.
Edição Brasileira, 1977.
Saindo por R$ 35,00

Billie Holiday - The Quintessential, vol. 1 (1933-1935)

"Billie Holiday (Filadélfia, 7 de Abril de 1915 — Nova Iorque, 17 de Julho de 1959), por vezes, mais conhecida como Lady Day, é por muitos considerada a maior de todas as cantoras do jazz.

Sua vida como cantora começou em 1930. Estando mãe e filha ameaçadas de despejo por falta de pagamento de sua moradia, Billie sai à rua em desespero, na busca de algum dinheiro. Entrando em um bar do Harlem, ofereceu-se como dançarina, mostrando-se um desastre. Penalizado, o pianista perguntou-lhe se sabia cantar. Billie cantou e saiu com um emprego fixo.

Billie Holiday, apresentando-se em fevereiro de 1947, Nova Iorque.
Billie nunca teve educação formal de música e seu aprendizado se deu ouvindo Bessie Smith e Louis Armstrong.

Após três anos cantando em diversas casas, atraiu a atenção do crítico John Hammond, através de quem ela gravou seu primeiro disco, com a big band de Benny Goodman. Era o real início de sua carreira. Começou a cantar em casas noturnas do Harlem (Nova York), onde adotou seu nome artístico.

Cantou com as big bands de Artie Shaw e Count Basie. E foi uma das primeiras negras a cantar com uma banda de brancos, em uma época de segregação racial nos Estados Unidos (anos 1930). 
Consagrou-se apresentando-se com as orquestras de Duke Ellington, Teddy Wilson, Count Basie e Artie Shaw, e ao lado de Louis Armstrong. 

Billie Holiday foi uma das mais comoventes cantoras de jazz de sua época. Com uma voz etérea, flexível e levemente rouca, Sua dicção, seu fraseado, a sensualidade à flor da voz, expressando incrível profundidade de emoção, a aproximaram do estilo de Lester Young, com quem, em quatro anos, gravou cerca de cinquenta canções, repletas de swing e cumplicidade. Lester Young foi quem lhe apelidou "Lady Day".

A partir de 1940, apesar do sucesso, Billie Holiday, sucumbiu ao álcool e às drogas, passando por momentos de depressão, o que se refletia em sua voz.

Pouco antes de sua morte por overdose de drogas, Billie Holiday publicou sua autobiografia em 1956, Lady Sings the Blues, a partir da qual foi feito um filme, em 1972, tendo Diana Ross no papel principal." (wikipedia)

Disco em excelente estado.
Capa em ótimo estado, com mancha (amarelecido) na contracapa.
Edição Brasileira, 1987.
Saindo por R$ 25,00

Steely Dan - The Royal Scam (76)

"With each successive album, Steely Dan's popular success and appeal become more obscured by sundry admirers' claims of abstruseness and complexity. To some it seems inevitable that the Dan will eventually produce the Finnegan's Wake of rock. And that's silly: Steely Dan is trying just as hard as any random country/disco/metal band to capture our attention, i.e., sell records. For all their jazzy influences, they are a florid rock band, immersed in popular concerns and styles. True, songwriters Walter Becker and Donald Fagen bow to no one in the matter of composing immaculate, catchy cul-de-sacs, but it is that same immaculateness, the way the words, as impenetrable as they may appear, fit with metrical seamlessness into the melodies that makes their impenetrability of little importance to any casual listener caught up in the sound of the entire song.

 That said, one must immediately note that their latest, The Royal Scam, is the Dan's most atypical record, possessing neither obvious AM material nor seductive lyrical mysteriousness. It also contains some of their most accomplished and enjoyable music.

The core of the Steely Dan sound is the interplay of sharp, even grating, lead guitar (most often that of Denny Dias) and the cushion of Fagen's various keyboards, always smooth, gliding, pulling the rest of the composition along. It has always been the hard nasal edge of both the lead guitar and Fagen's vocals that rescued the band from slickness, and on The Royal Scam this contrast is more obvious and effective than on any previous record.

In fact, such is the pervasiveness of both musical and narrative tensions that the overall feeling of Scam is one of just that: tension. There is little of the self-confident gentleness that dotted Pretzel Logic, less still of the omniscience that suffused Katy Lied. The Royal Scam is a transitional album for Steely Dan; melody dominates lyric in the sense that the former pushes into new rhythmic areas for the group (more "pure" jazz, semireggae and substantially more orchestration than before) while the verbal content is clearer, even mundane, by previous Dan standards.

While Scam is certainly not a concept album, every song---with the possible exception of "The Fez"---concerns a narrator's escape from a crime or sin recently committed. Becker and Fagen have really written the ultimate "outlaw" album here, something that eludes myriad Southern bands because their concept of the outlaw is so limited. Rather than just, say, robbing banks ("Don't Take Me Alive," in which the robber is a "bookkeeper's son"), Becker and Fagen's various protagonists are also solipsistic jewel thieves ("Green Earrings"), spendthrift divorcées ("Haitian Divorce") and murderously jealous lovers ("Everything You Did").

But the Dan's outlaws are also moral ones, guilt-ridden over comparatively minor sins. (Last time out, remember, Katy's chief offense was that she lied, after all.) "Kid Charlemagne" is a selfish egotist, and suffers for it; "The Fez," a sort of Dan-esque answer to Randy Newman's "You Can Leave Your Hat On," concerns a rather pathetic, if kinky, megalomaniac. At their best, these songs yield up concise surrealist introspection; at their worst, they suggest a paranoic death wish that is very amusing, if a bit unnerving. The lyrics are also pretty histrionic, and perhaps should not be scrutinized too solemnly.

In any event, I doubt that Steely Dan will ever become merely precious or insular; through five albums they have consistently circumvented their complexity with passionate snaz-ziness and fluky, cynical wit. If The Royal Scam lacks ready-made Top 40 fodder, it also widens Steely Dan's already considerable parameters. Their next album, if one can speculate about this lovably perverse bunch, should be a pop killer. In the meantime The Royal Scam is well worth living with, pondering and, what the hell, even dancing to."

(Rolling Stone, By KENNETH TUCKER, JULY 1, 1976 - in: http://www.rollingstone.com/music/albumreviews/the-royal-scam-19760701)


Disco e capa em excelente estado.
Edição Brasileira Original de 1976.
Saindo por R$ 25,00

Lou Reed - o melhor de Lou Reed (80)

"Conhecido como o poeta maldito do rock, Lou Reed foi descoberto pelo pintor Andy Warhol em 1967 e logo fez sua estréia liderando o mais representativo grupo de Nova York, o Velvet Underground. Crítica e público foram unânimes em classificar o som do Velvet e as canções de Reed como exemplo máximo da vanguarda musical e poética. O conjunto durou três anos e logo depois, em 1971, Lou Reed iniciou sua brilhante carreira solo, assinando com a RCA, onde gravou, até 75, oito memoráveis LPs.

As canções de Lou Reed são autênticas crônicas da barra pesada de Nova York e seus versos desprezam as metáfora elaboradas, preferindo usar imagens espontâneas e de incrível dinamismo. Elas fustigam o ouvinte como uma chicotada. Em suas canções o que fica patente é o seu enorme talento em lidar com personagens que são a própria escória da sociedade. Mas antes de ser um crítico de costumes ou um moralista urbano, Lou Reed é um cronista arguto e soturno de uma minoria segregada, vítima das armadilhas do tão decantado "sonho americano".

Nessa antologia de sucessos, Lou Reed não está sozinho. A moldura sonora é feita pelos melhores e mais famosos astros do rock anglo-americano. O guitarrista Steve Howe e o tecladista Rick Wakeman (ambos do Yes) o acompanham na sacudida "I Can´t Stand it". David Bowie, o guitarrista Mick Ronson e o baixista Klaus Voorman estão presentes nas magníficas "Walk in the Wild Side", "Vicious" e "Goodnight Ladies". O ex-Traffic, organista Steve Winwood, o ex-Cream, baixista Jack Bruce, o saxofonista Michael Brecher e o trumpetista Randy Brecker, comparecem nas aterrorizantes "How do You Thinh it Feels" e "The Kids"."

(texto presente na contracapa deste LP, por Ezequiel Neves)


Disco e capa em ótimo estado.
Edição Original, 1980.
Saindo por R$ 30,00

Depeche Mode - Speak & Spell (81)

"A banda inglesa Depeche Mode nasceu em 1980 em Essex, Inglaterra e tocava o que chamamos de synthpop, junção entre a música eletrônica e rock, que atualmente é conhecido por ser um típico ritmo gótico.

Inúmeras são a celebridades que se basearam neste grupo para a formação de suas carreiras ou consideram-se fãs, entre eles temos: Smashing Pumpkins, Linkin Park, Lacuna Coil, Deftones, Marilyn Manson, Trent Reznor (do Nine Inch Nails), Scott Weiland, Amy Lee, Robert Smith, Tori Amos, Shakira, Lady GaGa e Johnny Cash. A sua formação inicial contava com David Gahan, Martin L. Gore, Andrew Fletcher e Vince Clarke.

Em 1981, a banda lançou o álbum "Speak and Spell" , que deslanchou com alguns hits de sucesso, como "Just Can?t Get Enough".

(http://www.webartigos.com/artigos/a-historia-da-banda-depeche-mode/64887/)

Speak & Spell foi o único álbum que contou com a presença do membro fundador da banda, Vince Clarke, que mais tarde formaria o duo Erasure, sendo este, responsável pela autoria da maior parte do material composto para Speak & Spell. Por isso, esse álbum é melodicamente mais leve que os trabalhos posteriores do Depeche Mode. (wikipedia)


Disco e capa em excelente estado.
Edição Brasileira Original de 1981.
Saindo por R$ 40,00

Stevie Wonder - Talking Book (72)

"Há uma piada dos irmãos Marx que define bem a situação de Stevie Wonder na gravadora Motown. Em Uma Noite em Casablanca, Groucho Marx encarna um diretor de hotel que decide trocar os números dos quartos dos hóspedes. Quando um deles reclama que aquilo seria uma loucura, Groucho replica: "Mas também seria uma diversão dos diabos!".

A maior "loucura" de Stevie Wonder chamou-se Talking Book e cristalizou a independência do cantor em relação aos padrões rígidos da Motown. Até então, na gravadora americana as músicas deveriam ter três minutos – no máximo - e abordar nas letras temas como o amor e futilidades.

Wonder queria ter controle total de suas produções e ainda a liberdade para fazer as músicas que quisesse, com a duração que bem entendesse. Com o passar dos anos, essa exigência ficou cada vez mais cara para os cofres da gravadora e ainda menos rentável, com a perda de prestígio de Wonder. Mas pelo menos ele conseguiu emplacar diversas obras-primas. Talking Book veio mostrar um artista maduro aos 22 anos, brincando com uma invenção dos anos setenta, o sintetizador – que foi descoberto em Music of My Mind, seu disco anterior, também de 1972.

Os instrumentos em que Wonder não meteu a mão foram tocados por gente da categoria de Jeff Beck (o solo de guitarra em "Lookin' For Another Pure Love") e do saxofonista David Sanborn ("Tuesday Heartbreak"). As letras, em sua maioria, falavam da separação de Wonder e Syreeta Wright, da descoberta de um novo amor pelo compositor, de política e misticismo.

"Superstition" foi o maior hit do disco e quase virou um sucesso com Jeff Beck. Wonder havia cedido a música para o guitarrista e se recusava a lançá-la em single. "Você está louco? Esta canção tem de promover o álbum", rebateu o pessoal da Motown. Não é preciso ser nenhum gênio para apostar no sucesso da música, basta ouvir a introdução, com a marcação forte da bateria e o sintetizador de Wonder. O resultado foi um estremecimento da amizade entre o temperamental Beck e o cantor/compositor.

A relação entre Wonder e Syreeta foi destrinchada em "Maybe Your Baby", "Tuesday Heartbreak", "You've Got It Bad Girl" e "Blame It on the Sun". Na primeira, Wonder colocava para fora os fantasmas do ciúme e da solidão, com timbres estranhos de sintetizador e os wah wahs da guitarra de Ray Parker, Jr. (que depois fez um pífio trabalho-solo). "Tuesday Heartbreak" é uma visão irônica sobre o fim de uma relação, e na letra de "Blame It on the Sun", co-escrita com Syreeta, ele busca uma resposta para o fim do amor entre os dois.

Mas ele colocava uma certa esperança no disco. "You Are the Sunshine of My Life" nasceu de seu namoro com a vocalista Gloria Barley, que dividiu os vocais com ele na música. E para quem duvidava de sua capacidade em temas políticos, Wonder rebateu com "Big Brother" - paralelo entre o Grande Irmão de 1984, livro de George Orwell, e o pouco caso do governo americano em relação aos negros.

Quem acha que ele é só baladeiro, tem aqui a prova de seu gênio."

(Seção "Discoteca Básica", Sérgio Martins, Bizz#110, setembro de 1994)


Faixas:
A1. You Are the Sunshine of My Life - 2:58
A2. Maybe Your Baby - 6:50
A3. You and I - 4:38
A4. Tuesday Heartbreak - 3:02
A5. You've Got It Bad Girl - 4:57

B1. Superstition - 4:26
B2. Big Brother - 3:33
B3. Blame It on the Sun - 3:26
B4. Lookin' for Another Pure Love 4:43
B5. I Believe (When I Fall in Love It Will Be Forever) - 4:51


Disco e capa (dupla) em ótimo estado.
Edição Brasileira Original de 1972.
Saindo por R$ 30,00

Rush - A Farewell to Kings (77)

"O Rush estava bastante estável na entrada do ano de 1977. Seus quatro discos, bem como o álbum ao vivo All The World’s A Stage foram gradualmente sendo muito bem recebidos pelos fãs do gênero. A mistura entre o Hard Rock dignamente setentista e elementos progressivos estava cada vez mais coesa. Mas havia um problema: o reconhecimento não era lá dos maiores, principalmente fora do Canadá. A banda não engatou grande sucesso comercial.

Em A Farewell To Kings, quinto disco de estúdio do grupo, as coisas começaram a mudar. Talvez seja o divisor de águas, mas na discografia do Rush, prefiro enxergar como a evolução natural do antecessor 2112, álbum que peca pelos excessos musicais que podem ser considerados “laboratoriais” para a produção do material posterior.

A abertura com a faixa-título revela que o trio estava cada vez mais afiado. A composição é muito bem construída e evidencia os talentos individuais de cada integrante. “Xanadu”, um clássico progressivo, dá sequência com grandiosidade. Seu início climático prepara a audição para a excelente canção que segue. O Rush era mais ousado por soar um pouco mais pesado do que os progs de seu tempo. Não à toa, para 11 de 10 bandas do Metal progressivo oitentista, foram a influência principal.

A excelente balada “Closer To The Heart” segue o play com sua vibe positiva, boa letra e incrível construção melódica. Alex Lifeson já declarou, em entrevistas, que esta é a música derradeira da carreira do Rush, talvez por seu destaque ao ser lançada como single. “Cinderella Man”, composição do também bom letrista Geddy Lee, transita mais pelo Hard Rock empregado nos dois primeiros plays.

Para o fechamento do disco, dois extremos: “Madrigal” e “Cygnus X-1 Book I: The Voyage”. A simplória “Madrigal” impressiona mesmo com seus 2 minutos e meio de duração. Majoritariamente acústica, tem a voz de Geddy Lee, carregada de feeling, como destaque. Já a complexa “Cygnus X-1 Book I: The Voyage” narra uma viagem pela ficção científica em sua letra. A música, dividida em quatro partes, tem o instrumental mais bem construído de todo o disco. E ainda tem uma continuação de 18 minutos (“Book II: Hemispheres”) no álbum sucessor, Hemispheres.

O sucesso comercial começou a aparecer de fato em A Farewell To Kings. O mercado estadunidense, alvo principal dos artistas em geral, recebeu bem o lançamento e foi o primeiro do trio a receber disco de ouro por lá, sendo seguido por disco de platina um tempo depois. Foi o início do reconhecimento comercial de um dos monstros sagrados do Rock progressivo, que se expandiria pelo mundo futuramente.

Rush – “A Farewell To Kings”
Lançado em 1° de setembro de 1977

Geddy Lee (vocal, baixo, guitarra de 12 cordas)
Alex Lifeson (guitarra, violão)
Neil Peart (bateria, sinos, percussão em geral)

Músico adicional:
Terry Brown (voz inicial em 6)

01. A Farewell to Kings
02. Xanadu
03. Closer to the Heart
04. Cinderella Man
05. Madrigal
06. Cygnus X-1 Book I: The Voyage

(Fonte: Resenha - A Farewell To Kings - Rush http://whiplash.net/materias/cds/162300-rush.html#.UrwfqfRDtBk#ixzz2oaDVTmrR)


Disco em ótimo estado. 
Capa em muito bom estado (com um pouco de desgaste nas bordas, natural em uma edição 70´s - vide foto).
Edição Brasileira Original de 1977.
Saindo por R$ 30,00

Rot - Uncertain Future (96) - Lado A ... Intestina Disease - Denying The Wisdom Of Authority (96) - Lado B

               
             
Uncertain Future

Rot – Painfull Existence                              
Rot – Uncertain Future                               
Rot – Living To Deceive                               
Rot – Slave Of Majority                               
Rot – Destroy Everything                           
Rot – Rejecting The Media                        
Rot – Our Freedom - A Lie                         
Rot – The Actor                              
Rot – World Abruption
Rot – Subversive Not Alternative                           
Rot – Fatality?                 
Rot – Technologic Error                               
Rot – Restricted                             
Rot – Still Not For Me                   
Rot – Violent Acts                          
Rot – Where Is My Happiness                  
Rot – Smiling Faces                       
Rot – The Hunger                          
Rot – Almighty God                      
Rot – Putting Down The Structure 

Denying The Wisdom Of Authority

Intestinal Disease – Repetitive Cliché                   
Intestinal Disease – Painted Cloud                        
Intestinal Disease – Ni I'm Not                 
Intestinal Disease – Chaotic Dream                       
Intestinal Disease – De Idealist                               
Intestinal Disease – Reject                        
Intestinal Disease – This Community Is Not For Me                       
Intestinal Disease – Burning                     
Intestinal Disease – People Leave                         
Intestinal Disease – Reality Based On Lies
Intestinal Disease – Conform Or Live                    
Intestinal Disease – Happy Depression                               
Intestinal Disease – Teachers In The School                      
Intestinal Disease – Compact Dazzle Shit                            
Intestinal Disease – It's Time For A Change  


Disco e capa em excelente estado; com encarte.
Edição Original 1996.
Saindo por R$ 60,00

Anthrax - Persistence of Time (90)

"Após a decepção de State Of Euphoria, o Anthrax voltou ao estúdio em 1989 para a gravação de seu quinto trabalho. As coisas pareciam não ir nada bem quando um incêndio destruiu boa parte dos equipamentos da banda, causando um prejuízo de cem mil dólares e destruindo completamente o estúdio. A banda mudou o local de gravação, e em agosto de 1990 saiu Persistence Of Time, mostrando um lado mais maduro da banda. 

Musicalmente o disco é mais lento e com influências progressivas e as letras deixaram de lado o conteúdo bem humorado e com referências pop para dar lugar a críticas sociais, pacifismo e teor introspectivo. Crítica e público receberam bem a nova postura da banda, e o disco é considerado por muitos o melhor trabalho do Anthrax depois de Among The Living (1987). 

O single “Got The Time“, cover de Joe Jackson foi o grande sucesso do álbum e o próprio Jackson elogiou a versão Thrash de sua música. Apesar do começo cansativo com as arrastadas “Time” e “Blood”, o disco é recheado de ótimas canções, como o segundo single “In My World” e a violenta “Belly Of The Beast” com um riff pesadíssimo de Scott Ian, que também faz um grande trabalho em “Keep it in the Family”. 

Persistence Of Time foi um grande sucesso, compensando o fracasso do disco anterior e consolidando a popularidade do Anthrax no início dos anos 90, que inclusive foi indicado a um Grammy por “Melhor Performance de Heavy Metal”.

Em 1991, o Anthrax flertou com o hip-hop mais uma vez, regravando a música “Bring The Noise” do Public Enemy, com participação de Chuck D. A faixa foi um sucesso e incluída na compilação Attack Of The Killer B’s (1991) e no álbum do Public Enemy, Apocalypse 91… The Enemy Strikes Black (1991)."

(http://consultoriadorock.com/2012/08/05/discografias-comentadas-anthrax-parte-i/)

Disco em muito bom estado (com um pouco de chiado ocasional e um risco na faixa "Intro to Reality" que não chega a ocasionar um "pulo da agulha", mas apenas um pequeno estalo de cerca de 1 minuto). 
Capa em muito bom estado, com um pequeno rasgo na estrada do disco (vide foto); com encarte.
Edição Brasileira Original de 1990.
Saindo por R$ 35,00

D.R.I. - Dirty Rotten LP (88)

"Dirty Rotten Imbeciles, ou simplesmente D.R.I., é uma banda de thrashcore/crossover thrash formada em 1982, no Texas, nos Estados Unidos.

Inicialmente era uma banda de hardcore/punk, e ao longo dos anos foi incorporando elementos do thrash metal no som, sendo considerados um dos pais do Crossover, a fusão do hardcore com o metal.A banda recebeu esse nome (Sujos, Podres e Imbecis em português) por causa do pai dos irmãos Kurt e Eric Brecht, apelidado de The Madman por eles. A banda sempre que ensaiava na casa dos irmãos, Mr. Madman mandava parar com o ensaio insultando-os com o futuro nome da banda. Eles inicialmente chamavam-se U.S.D.R.I mas logo depois simplificaram para D.R.I.

Em 1987, a banda lança o álbum Crossover, com músicas mais longas e elaboradas que os álbuns anteriores, sendo esse álbum o pioneiro, mais importante e influente no estilo crossover thrash.

A banda teve várias formações diferentes, só permanecendo o vocalista Kurt Brecht e o guitarrista Spike Cassidy e lançou 7 álbuns e fez turnês no mundo inteiro com bandas como Dead Kennedys, Slayer (a banda credita o D.R.I como uma das suas maiores influências), Ratos de Porão e chegou a tocar duas vezes no Brasil e faz shows esporadicamente hoje em dia.

Recentemente, o guitarrista Spike Cassidy foi diagnosticado com câncer no colon, interrompendo uma longa turnê que a banda pretendia fazer. Mas agora, o guitarrista está reucuperado e a banda promete novidades.

A banda teve os álbuns Dirty Rotten LP, Crossover e 4 of a Kind lançados no Brasil no formato vinil no final dos anos 80, pelo selo Eldorado.

O D.R.I se apresentou no Brasil em 2011: Dias 13 de abril em Curitiba, no Hangar Bar,dia 14 de abril no Rio de Janeiro, Teatro Odisséia e no dia 15 abril em Recife, no Festival Abril Pro Rock junto com o Misfits, no dia 16 de abril em Belo Horizonte, no Music Hall e dia 17 de abril em São Paulo, no Carioca Club."

(wikipedia)

Disco e capa em ótimo estado.
Edição Brasileira Original de 1988.
Saindo por R$ 60,00

Azimuth (75)

"História

O grupo nasceu junto com a cervejaria Canecão em três palcos diferentes Zé, Alex e Mamão atuavam com seus grupos,revezando as apresentações Mamão com os “Youngsters”, Alex com um trio de bossa-nova e Zé Roberto resolveu se juntar com os caras que ele admirava outros pinguins. Maestro arranjador Zé Roberto Bertrami não parava nunca,hora escrevendo, hora gravando, hora tocando.

Contratado pela Philips (posteriormente Phonogram) os três gravavam e arranjavam as bases dos sucessos da época, entre eles estavam Raul Seixas, Tim Maia , Erasmo Carlos, MPB-4, Marcos Valle, Erlon Chaves, Sérgio Sampaio , Gonzaguinha e muitos outros o que totalizava 4 entre seis músicas que tocavam na Rádio Mundial e Tamoio em 1974.

Em 1970 faziam apresentações ao vivo com o grupo “Seleção” onde pretendiam fazer bailes que acabavam com o público sentado, ouvindo e aplaudindo como se fosse um show. Anos depois resolveram gravar um disco independente influenciados por seu amigo Tim Maia que já estava em estúdio fazendo, porém quando o LP ficou pronto a produção foi vendida a gravadora novata Som Livre que tratou de colocar a faixa “Linha do horizonte” na novela “Cuca Legal” o único sucesso cantado pelo grupo. O grupo passou a se chamar Azymuth por sugestão de Paulo Sergio Valle durante as gravações da trilha sonora do filme “O Fabuloso Fittipaldi”.

Em 1975 gravam “Melô da Cuíca”, música integrante da trilha sonora da novela “Pecado Capital“, o fusion samba funk trouxe o convite para o grupo participar do Festival de jazz de Montreaux na Suíça (foram os primeiros brasileiros então convidados para o evento). Logo depois de ser chamado para arranjar uma faixa do disco da Ella Fitzgerald, a cantora brasileira Flora Purim que havia recebido o prêmio demelhor cantora de jazz (Estados Unidos) daquele ano contratou o grupo para uma tourné por todo o país.
Ivan Conti: Baterista

Carinhosamente apelidado de “Mamão”, nascido na Tijuca no Rio de Janeiro iniciou-se em música tocando guitarra. Mas foram os solos de Gene Kruppa que o levou a trocar de instrumento. Sua coordenação motora e seu completo domínio nos tambores é impressionante. Já se apresentou com Ray Brown, Dizzy Gillespie, Milt Jackson, Elis Regina, Gal Costa, Erasmo e Roberto Carlos, Eumir Deodato, Rita Lee. Participou da orquestra Internacional do maestro Paul Mauriat que o incluiu em duas temporadas em que fez shows no Japão.

O álbum

Sonzera de primeira grandeza, power trio com um groove unico e nada de excesso de virtuosismo, a banda começou acompanhando o gênio Marcos Valle (com quem gravou discos e trilhas sonoras de filmes e novelas) e depois tomou vida prórpia e ficando mais famosa nos EUA e Europa que aqui onde não valorizam muita a música instrumental.

A maior parte do disco é instrumental, mas temos vocais em algumas como Faça de conta e Linha do Horizonte que é o hit da banda no Brasil, esses caras já faziam em plena década de 70 o que hoje é chamado de Lounge Music, ou seja uma música relaxante, com harmonias belas e um groove que não deixa ninguém parado."

(http://portrasdavitrola.blogspot.com.br/2013/08/azymuth-azimuth-1975.html)

Faixas:

01- Linha Do Horizonte
02- Melô Dos Dois Bicudos
03- Brazil
04- Faça De Conta
05- Caça A Raposa
06- Estrada Dos Deuses
07- Esperando Minha Vez
08- Montreal City
09- Manhã
10- Periscópio

José Roberto Bertrami (Teclados)
Alex Malheiros (Baixo) 
Ivan Conti ”Mamão” (Bateria)


Disco em muito bom estado (com chiado ocasional - sem riscos).
Capa em muito bom estado (envelhecimento natural de uma edição 70´s).
Edição Original de 1975.
Saindo por R$ 80,00

Santana - Caravanserai (72)

"Falando francamente, este não é um disco para iniciantes. É sim, para iniciados. Não aconselhado para quem ainda não conhece Carlos Santana. Obrigatório para quem já conhece. Você não pode conhecer Santana por este disco, mas não pode afirmar que conhece Santana sem conhecer este disco. 

Foi gravado em 1972, marcado por mudanças na formação da banda, e no próprio som de Santana, que vinha nos seus três discos anteriores determinando sua marca ao misturar salsa, rock  e jazz. Aqui temos, ainda, e talvez mais até, o jazz, porém quase somente instrumental. E eu acrescentaria, um algo até mais espiritual. Aliás, o som remete à capa. Você viaja em uma caravana, sente o deserto, e sem dúvida vê o oásis. A percussão comanda de fora a fora, sem obedecer a ninguém, a não ser a guitarra de Santana, o mestre da caravana. 

Para dar uma ideia do que esperar deste disco, basta dizer que aqui está "Stone Flower" de Tom Jobim. Santana e Tom Jobim. Quer mais? É neste album que entra o percursionista cubano Amando Peraza (para mim um dos melhores do mundo). Falei no início que este disco não é para iniciantes, e sim, para iniciados. É que não se deve esperar um disco de guitarrista, com a guitarra ditando as regras. Não é assim que funciona com Santana, e neste disco muito menos. A música vem como deve vir, em grupo. Cada um fazendo sua parte e construindo assim, o todo. Santana, o mestre da alquimia, é humilde e apenas complementa, preenche os espaços entre a percussão, a bateria, os teclados, o contra-baixo, o vocal em algumas faixas. Mas não se engane, quando a guitarra grita suavemente uma frase, é uma majestade que está gritando suavemente uma frase. E você, fatalmente, suavemente, displicentemente esquece todos os outros instrumentos, os coadjuvantes, e ouve o que Santana tem a dizer. E o que ele diz ? Ele diz...ouça aquele timbau, e este teclado. Sinta aquela bateria. 

Caravanserai, viajando junto, ao som de Santana. Não posso definir o som encontrado neste disco. É algo que não se explica, se ouve. Tudo que eu ousasse dizer aqui sobre as faixas do disco, só seria compreendido após a audição atenta e entregue do leitor. Se o leitor não alcançar este disco à primeira audição, por favor, não culpe o disco, nem culpe a si mesmo. Dê nova chance aos dois, e após a audição definitiva, com certeza irá perceber que já ouviu uma centena de vezes, por puro prazer."

(http://oucaestedisco.blogspot.com.br/2011/04/caravanserai-viajando-juntocom-carlos.html)


"Caravanserai é o mais eleborado e complexo trabalho de Santana. Tem inúmeras passagens progressivas e até um homenagem a um dos maiores compositores brasileiros de todos os tempos : Tom Jobin, na música Stone Flower. A percurssão é fantástica, como é em todos os Santanas, mas este é mais. Ouçam e poderão consatarar algo mais nos rítimos. As harmonias são diferentes de todos os outros discos do Santana e tendem ao jazz rock, e referendam Miles Davis. Caravanserai é o disco que menos vendeu e que mais se aproximou do não comercial, embora haja até composições no disco com esta finalidade."

(http://esquinadorock.blogspot.com.br/2009/04/santana-caravanserai-1972.html)

Disco em muito bom estado (com algum chiado perceptível em poucos momentos - sem riscos). 
Capa em muito bom estado (com algum amarelecimento natural).
Edição Brasileira Original de 1972.
Saindo por R$ 35,00

The Byrds - Byrdmaniax (71)

Byrdmaniax is the tenth album by the American rock band The Byrds. It was released in June 1971 on Columbia Records  at a time of renewed commercial and critical success for the band, due to the positive reception that their two previous albums, Ballad of Easy Rider and (Untitled), had received. 

The album was the second by The Byrds to feature the Roger McGuinn, Clarence White, Gene Parsons, and Skip Battin line-up of the band and was mostly recorded in early 1971, while the band were in the midst of an exhausting tour schedule. As a result, the band had little time to hone their new songs before recording commenced and thus, much of the material on the album is underdeveloped. 


Disco e capa em excelente estado.
Importado England. Original 1971.
Saindo por R$ 50,00

J.J. Cale - Troubador (76)

"Para mi "Troubadour" y "Shades" son sus mejores obras, en este disco JJ Cale realizaza un ambicioso trabajo lleno de piezas calmadas con impecable estilo soft-rock y con unas gotas de blues y folk que le dan ese toque tan personal y es que JJ Cale se convierte en un trovador del mundo y nos deleita con un disco rico en heterogeneidad de recursos instrumentales bien presentados en doce magnificas canciones llenas de color y calidez sonora.

A destacar "Travelin' Light" y como no su clasico "Cocaine", más conocida en la voz de Clapton. Seguro que todos conocemos este riff, y su letra engañosa que puede pasar como apología del consumo, cuando en realidad es todo lo contrario ("Si quieres terminar acabado, bien abajo en el piso, cocaína"). El tema pasó de ser un lado B del simple de "Lay Down Sally" a ser una parada obligatoria en todos los shows de Clapton hasta hoy. En fin un gran disco de obligada audición, seguro que os encanta.

J.J. Cale (nacido el 5 de diciembre de 1938) es un músico y compositor estadounidense nacido en Tulsa, Oklahoma en 1938. Su verdadero nombre es John W. Cale, aunque muchas fuentes dan incorrectamente el nombre de Jean Jacques Cale. Es conocido por escribir dos canciones que llevaron a Eric Clapton a la fama, "After Midnight" y "Cocaine", así como los éxitos de Lynyrd Skynyrd "Call Me The Breeze" y "I Got the Same Old Blues".

Cale es uno de los pioneros del "Tulsa Sound", mezcla de blues, rockabilly, country y jazz. El estilo personal de Cale ha sido definido como "relajado", y se caracteriza por ritmos shuffle, cambios de acordes sencillos, voces dobladas y letras incisivas e inteligentes. Cale también es un guitarrista muy particular, caracterizado por su forma de puntear y sus solos moderados y ligeros. Sus grabaciones reflejan la sencillez y la falta de artificios de sus composiciones, que son normalmente grabadas enteramente por Cale, ayudándose de una caja de ritmos para el acompañamiento.
Muchos artistas, como por ejemplo Eric Clapton, Mark Knopfler, Neil Young o Bryan Ferry, han sido influenciados por la música de Cale; muchos otros han incluido versiones de Cale en sus álbumes, siendo las canciones más utilizadas "Cocaine", "After Midnight", "Call Me the Breeze", "Travelling Light" y "Sensitive Kind", versionada por Carlos Santana.

Cale también es conocido por su rechazo y aversión al estrellato, a las giras largas, y a las grabaciones periódicas. Ha sido un artista de culto para los músicos, y relativamente desconocido para el público durante los últimos 35 años.
El lanzamiento de su álbum "To Tulsa and Back" en 2004, así como la aparición en el Festival Crossroads de Eric Clapton en el 2006 y el estreno del documental "To Tulsa and Back: On Tour with J.J. Cale", han acercado su discografía a un nuevo público, más joven y más amplio. Además, esta publicidad siguió hasta finales de 2006, cuando publicó un álbum en colaboración con Clapton, The Road to Escondido, que ganó el "Mejor Álbum Contemporáneo de Blues" en la 50 Edición de los Premios Grammy en 2008

 JJ Cale se inspiro en su guitarra Harmony para la tapa de su disco "Troubadour", esta guitarra, nació como una Harmony H162 de 50 dolares, y fue "un poco" modificada. Tanto es asi que el Database de las guitarras Harmony creo una seccion dedicada a los luthieres kamikase, haciendole honor a Cale por su... llamemosle creacion.
"Mi guitarra favorita es esta vieja Harmony de 50 dolares, ahora sin tapa trasera para facilitar el acceso a la electrónica ha comentado JJ Cale en alguna entrevista.

Originalmente se trataba de una guitarra acustica con agujero de boca redondo, pero he añadido cinco pickups para hacer discos y tocar en conciertos. Cuatro de las pastillas son Gibson, dos de los cuales son de baja impedancia para la grabación directa. El microfono barra de otro tipo venía de una guitarra Silvertone Sears (foto de la viola aca) , que ha sido fabricado por Dano Electro. La guitarra tiene tres salidas de alta impedancia y bajo."
Y es que con esta guitarra JJ Cale consigue Un sonido muy personal y difícil de imitar es realmente impresionate ver como esa guitarra suena como los ángeles en su manos."

(http://llopdelblues.blogspot.com.br/2012/06/troubadour-de-jj-cale-y-su-guitarra.html)


Faixas:
Hey Baby 3:16
Travelin' Light 2:53
You Got Something 4:04
Ride Me High 3:39
Hold On 2:05
Cocaine 2:51
I'm A Gypsy Man 2:45
The Woman That Got Away 2:55
Super Blue 2:41
Let Me Do It To You 3:01
Cherry 3:27
You Got Me On So Bad 3:16


Disco e capa em ótimo estado.
Edição Brasileira de 1977.
Saindo por R$ 40,00

A Cor do Som - Transe Total (80)

"A Cor do Som: uma das melhores bandas instrumentais de todos os tempos...

Há exatos 23 anos, mais precisamente em 1987, encerrava suas atividades um dos mais importantes grupos musicais brasileiros, A Cor do Som, cujo talento instrumental, aliado à competente fusão de estilos, influenciou toda uma geração de músicos dos anos 80 e 90.

Fundado em 1976/77 como produto da reunião de músicos que, originalmente, acompanhavam Moraes Moreira e participaram dos antológicos ‘Novos Baianos’, A Cor do Som tinha, nas guitarras, o fraseado de Armandinho Macedo (do Trio Elétrico Dodô & Osmar); Mu (teclados); Dadi (baixo), Ary Dias (percussão); e Gustavo (bateria). Logo no primeiro disco, homônimo, reeditado pela Warner, A Cor do Som já dizia ao que vinha, apresentando músicas instrumentais que incorporavam a fusão dos fraseados do rock e jazz a matrizes nacionais como o baião e xaxado do nordeste, o chôro e a polca, em composições como ‘Bodoque’, ‘Arpoador’, ‘Sambavishnu’, ‘Na Onda do Rio’ e ‘Espírito Infantil’. De quebra, brindava os ouvintes com duas belíssimas versões: Tigreza (de Caetano Veloso), em que Armandinho mostrava seu total domínio da guitarra elétrica, do Bandolim e da guitarra baiana. E Odeon (de Ernesto Nazareth).

Na época, o Brasil vivia um certo ‘boom’ de música instrumental, herança do trabalho pioneiro realizado no início dos anos 70 por bandas como ‘Terço’, ‘Som Imaginário’, ‘Mutantes’ e 'Tutti-Frutti', entre outras que revolucionaram a forma de tocar e acompanhar grandes astros do rock e da MPB. No mesmo ano de estréia de A Cor do Som (1977), Pepeu Gomes apresentava seu ‘Geração de Som’, disco totalmente instrumental que, com o passar do tempo, tornou-se verdadeiro clássico do gênero, no qual são encontradas fusões estilísticas semelhantes àquelas tentadas pela Cor do Som.

Sucesso chega com ‘Frutificar’ e ‘Transe Total’

Em 1978, a Cor do Som lançaria aquele que até hoje é considerado seu melhor LP instrumental, gravado ao vivo no Festival de Montreux, Suíça. As apresentações tiveram o reforço de Aroldo Macedo (irmão de Armandinho), com o qual formou bela dupla de guitarras baianas. Um dos pontos altos foi a longa duração de ‘Arpoador’ e uma impagável versão para Brejeiro, de Ernesto Nazareth, apimentando as já tradicionais aparições de bandas e artistas brasileiros naquele festival.

O sucesso de público, no entanto, viria mesmo com o LP ‘Frutificar’, de 1979, puxado pela música anônima (instrumental), aberta por bela introdução ao piano executada por Mu. Frutificar foi o primeiro LP de A Cor do Som que, em seu repertório, trouxe músicas cantadas que se tornaram hits de sucesso, como Abri a Porta (Gilberto Gil-Dominguinhos), Swingue Menina (Mu-Moraes Moreira) e Beleza Pura (Caetano Veloso). 

No ano seguinte (1980), novo sucesso com o disco Transe Total, puxada por Palco (Gilberto Gil) e Zanzibar (Armandinho-Fausto Nilo), com letra que literalmente ‘pegou’ naquele inesquecível verão, quando os rapazes da Cor do Som cantavam em suas lotadíssimas apresentações Brasil afora:

‘no azul de gezebel, no céu de Calcutá, feliz constelação, reluz no corpo dela, ai tricolor colar. Às de maracatu, no azul de Zanzibar, feliz constelação, reluz no gozo dela, ai mina aperta a minha mão, alá meu only you, no azul da estrela. Aliás, bazar da coisa azul, meu only you, é muito mais que o azul de Zanzibar, paracurú, o azul da estrela’  (...)"

(http://www.sindsprevrj.org.br/jornal/secao.asp?area=21&entrada=4134)

Disco e capa em muito bom estado.
Edição Original de 1980.
Saindo por R$ 20,00

Larry Coryell - Philip Catherine: Twin House (77)

"I heard Larry Coryell and Philip Catherine together for the first time at the Berlin Jazz Festival in 1975. Their creative compability, the enthusiasm and mutual understanding inspired me to take them into the Olympic Sound Studios in London to cut "Twin House" in just one day. This was only possible because both the music and the artists were ready to go on.

"Twin House" became one of those rare jazz records well recieved by both the record buying public and the critics. Two years later we were back in the studio recording the "Splendid Sessions".

Both records were never before released on CD. I am grateful to the artists an my ex-colleagues at WEA, Germany, to let me release what I believe is the best of "Twin House" and "Splendid" on my ACT label. "Mortgage of Your Soul" was taken off and replaced by the previously unreleased track "Dance Dream".

This record is dedicated to the memory of the great gipsy guitar player Django Reinhardt." (Liner notes by producer Siegfried Loch)

(http://www.focuscollection.com/listings/l0105.html)

Disco (com um pouco de chiado típico, perceptível am alguns momentos) e capa em ótimo estado.
Edição Original Brasileira de 1977.
Saindo por R$ 30,00

Lou Reed - New York (89)

"Histórias de personagens afetados pela incerteza em um dos melhores discos solo do bardo...

No final dos anos 1980 diversos compositores norte-americanos estavam insatisfeitos com temas relacionados à AIDS, corrupção, segregação racial e ao vício desenfreado de crack.

Cidades metropolitanas como Nova York e Los Angeles eram os principais palcos das críticas vorazes de grupos emergentes como Public Enemy ou das críticas existenciais de John Cougar Mellencamp.

Foi na intenção de captar o clima fétido de Nova York que Lou Reed selou sua poesia urbana com o The Velvet Underground nos anos 1960, galgando os primeiros passos do punk rock.

Duas décadas depois a cidade pode ter evoluído bastante, mas o que o compositor percebeu é que havia uma diatribe generalizada.
As incertezas filosóficas permaneciam nas mentes borbulhantes de todos os habitantes da principal cidade dos Estados Unidos. Diversos paradigmas rondavam aquele cenário, e isso mudava a forma de como a pessoa interagia com o mundo.

New York não seria o primeiro nem o último disco de Lou Reed a perfilar aquela cidade. Canções como “Run Run Run” (The Velvet Underground & Nico, de 1967) e “New York Telephone Conversation” (Transformer, de 1972) descreviam a cidade como cenário de acontecimentos improváveis. Lá, arrastam-se drag queens e ouve-se fofocas o tempo inteiro.

No entanto, a tônica que Lou Reed dá a New York é mais descritiva e até literária (ele sugeriu que encarassem o disco como um livro mesmo). Em “Romeo Had Juliette”, um personagem ‘dá de ombros e xinga Jesus’; em “Dirty Blvd”, o garoto sonha em ficar mais velho e matar o pai que o maltrata.

Se Lou Reed é tido como um dos maiores poetas urbanos, New York é mais que sua prova cabal. Ele foi bem-sucedido em pincelar as composições com a crueza do rock. Para tanto, ele rompeu com as inovações estéticas sugeridas em Mistrial (1986) e muniu suas canções com guitarras e o melhor que o rock’n roll pode proporcionar.

Lou chamou o guitarrista Mike Rathke e a companheira Maureen Tucker, baterista dos tempos de Velvet Underground, e inseriu suas 14 faixas num entorno mais similar a The Velvet Underground (1969) e Loaded (1970).

Em New York, todavia, percebemos um Lou Reed mais loquaz: ele não tem medo de quebrar tempos musicais nas letras de “Romeo Had Juliette” ou “Last Great American Whale”. O que realmente importa é que o ouvinte acompanhe as histórias ali descritas e perceba como a distopia do final dos anos 1980 afetou aqueles personagens conturbados.

Claro que o lado observador apurado de Lou Reed contém notas próprias. Ele chega a assumir a primeira pessoa em “Beginning of a Great Adventure”, um blues entrecortado em que diz que ‘deve ser divertido ter uma criança para poder chutar por aí/Criar minha própria imagem como deus’. “Halloween Parade”, por outro lado, é Lou vendo o feriado de maneira enfadonha, como se estivesse apenas seguindo protocolo.

Em alguns momentos o bardo reúne o que há de melhor da descrição dylanesca para dar sobriedade às histórias que poderiam conter maior carga emotiva. “Xmas in February” é um bom exemplo: fala da trajetória de Sam, soldado que perdeu o braço no Vietnã e amenizou as dores se drogando com ópio. As melodias da guitarra seguem uma linha de lamento acústico e Lou Reed abaixa a voz. Há tristeza e, por mais imparcial que o cantor tente ser, percebemos que de alguma forma aquilo o comoveu. A decisão acertada aqui foi não apelar para os metais ou fazer uso de outros artifícios estéticos para despertar emoção. São tristezas, e tristezas acontecem a todo o tempo – como o cantor também enfatiza no country-rock de “Endless Cycle”: ‘A verdade é que eles são mais felizes quando estão em dor’, diz Lou ao descrever um casal em dificuldades.

Em contrapartida às faixas meditativas, Lou Reed faz de New York um disco essencialmente roqueiro. Os riffs de “Hold On” e “Busload of Faith”, por exemplo, empolgam bastante suas crônicas impetuosas.

“There Is No Time”, além de ter solos excepcionais, parece simular a velocidade dos metrôs de tão ágil. É a música da correria, a música em que Lou usa a falta de tempo tanto como fator intrínseco à cidade como fator de justificativa para as coisas que não foram feitas no passado. Uma frase daqui é bem valiosa: ‘Autoconhecimento é algo perigoso à liberdade de ser quem você é’.

“Strawman” é o tipo perfeito de rock de arena. Lou Reed aqui está agressivo, cansado das mesmas porcarias de sempre (‘alguém ainda precisa de uma estrela milionária?’). Ele induz o ouvinte a cantar junto em um dos melhores takes do disco.

E sabe aquela história antiga de que os Strokes não passam de imitações do Velvet Underground? Saiba que New York carrega a música que praticamente deve ter inventado a banda, “Good Evening Mr. Waldheim”, com aquela estética que se tornou chavão para a banda de Julian Casablancas: uma guitarra com riffs contínuos, uma segunda guitarra de solos circulares e bateria ininterrupta. Na música de Lou Reed, o formato é algo secundário perante à força de suas letras – principalmente em New York, um álbum que Lou Reed não precisava ter feito depois das muitas experimentações realizadas até então.

De fato, ele nunca se preocupou em se reerguer, porque seu teor criativo sempre prevaleceu ante preocupações financeiras. Sem precisar provar nada a ninguém e percebendo a atmosfera de incerteza que pairava naquela cidade que ele conhecia melhor que qualquer outra estrela do rock, Lou Reed entregou um de seus melhores discos solo. Você, inevitavelmente, terá outra visão da principal cidade norte-americana após a audição de New York."

(http://namiradogroove.com.br/grandes-albuns/lou-reed_new-york_1989)

Disco e capa em excelente estado; com encarte (letras).
Edição Original Brasileira de 1989.
Saindo por R$ 35,00

The Smiths - Hatful of Hollow (84)

"Velho favorito, um dos discos mais importantes e ouvidos em toda minha vida. Não é o preferido dos fãs, mas ao ouvir "Heaven Knows I'm Miserable Now", "How Soon Is Now" e "Reel Around The Fountain", nunca mais me recuperei. Sua origem bizarra - 10 das 16 músicas foram realizadas em programas de rádio - e o fato de várias canções do álbum de estréia estarem aqui com arranjos diferentes o faz soar com um mero caça-níquel. Apesar de um certo caráter mercantilista, "Hatful of Hollow" permanece com um importante marco na carreira da banda, o segundo disco em menos de um ano e a consagração da banda independente mais importante da história, superando nomes como Joy Division, New Order, Cocteau Twins, entre outros. 

E além de tudo isso, a música - implacável, perfeita, angustiada - foi um perfeito complemento de uma geração perdida e que fez dos Smiths um dos mais importantes porta-vozes contemporâneos, comparáveis a Lennon & McCartney e Jones & Strummer. Quem ouviu e viveu esse período sabe: depois deles, nada mais soou da mesma forma.

Ele foi o primeiro disco da banda a sair no Brasil, precedido pelo single "The Boy With The Thorn In His Side", que, aliás, não fazia parte desse LP. 

A banda entra em estúdio para começar a graver o próximo disco que seria Meat Is Murder, até que a Rough Trade resolva capitalizar nesse meio-tempo com Hatful of Hollow.

O mote para o LP foi aproveitar as gravações feitas nos programas dos radialistas John Peel e David Jensen na Radio 1 da BBC. Dez das 16 composições foram concebidas desta forma (veja as datas de transmissão abaixo), além de músicas só lançadas em compactos e canções inéditas.

Apesar do sucesso da empreitada, alguns acusaram a gravadora e a banda de oportunismo, o que Morrissey veementemente discordou: "é um bom lançamento, já que várias pessoas me escrevem pedindo para que fizéssemos uma coletânea de nossas apresentações em rádio e reunião dos compactos. Não sei o motivo de tanta gritaria."

A verdade é que o disco é um apanhado e o final da primeira fase dos Smiths. Músicas mais leves, simples, curtas, típicas pop-songs.

Além de "Heaven Knows I'm Miserable Now", talvez o maior destaque seja "How Soon Is Now?", em que um belo solo de guitarra no início e uma letra torturada que dizia: "Eu sou o filho/e o herdeiro/ de uma timidez criminosamente vulgar/Eu sou o filho e o herdeiro/ de nada em particular/ Cale sua boca/Como você pode dizer/ Que faço as coisas da maneira errada? Eu sou Humano e preciso ser amado/ Como qualquer um".

(http://www.beatrix.pro.br/mofo/smiths02.htm)

Faixas do disco

1 - William, It Was Really Nothing 
2 - What Difference Does It Make? (1) 
3 - These Things Take Time (3) 
4 - This Charming Man (2) 
5 - How Soon Is Now? 
6 - Handsome Devil (1) 
7 - Hand In Glove 
8 - Still Ill (2) 
9 - Heaven Knows I'm Miserable Know 
10 - This Night Has Opened My Eyes (2) 
11 - You've Got Everything Now (3) 
12 - Accept Yourself (4) 
13 - Girl Afraid 
14 - Back To The Old House (2) 
15 - Reel Around The Fountain (1) 
16 - Please, Please, Please, Let Me Get What I Want

(1) - Tirado do Programa John Peel Show, da BBC Radio 1, dia 31/05/83 
(2) - Tirado do Programa John Peel Show, da BBC Radio 1, dia 21/09/83 
(3) - Tirado do Programa David Jensen Show, da BBC Radio 1, dia 04/07/83 
(4) - Tirado do Programa David Jensen Show, da BBC Radio 1, dia 05/09/83


Disco e capa em excelente estado.
Edição Brasileira de 1986.
Saindo por R$ 40,00

Jennifer Lo Fi

"Mais uma história de sucesso da internet, Jennifer Lo-Fi é uma grande mistura de personalidades e influências. Sem exatamente se confinar a um estilo, a banda ainda assim parece ter um fio comum: se divertir e, é claro, divertir o público. Conversamos um pouco com Caio (guitarra) sobre a banda, suas perticularidades e também a sua relação com o mundo da arte.

Caio nos contou um pouco sobre a origem da banda e do nome. A banda surgiu por causa do myspace, onde conheceu a Sabine (vocal) e o Miu (Felipe, guitarra) e juntou o pessoal para fazer um som e adoraram. "chamei a galera pra tentar fazer um som e rolou lindo!"

Já o nome da banda veio de uma brincadeira com o nome da cantora Jennifer Lopez. "Agente queria um nome que viesse de um trocadilho, e esse foi o que a gente mais gostou e achou"sonoro".", diz Caio.

E o processo de criação da banda é bem trabalhado, vai de "jams" até idéias prontas ou quase prontas, como diz Caio, que algum dos integrantes leva para o ensaio e todos acabem trabalhando na música. "Aí, depois que o instrumental ficou bacana, a Sabine coloca a vocalização e uma letra supimpa."

Quanto a ética de trabalho a banda acredita fazer um bom show para o público e saber valorizar suas qualidades. "valorizar o pouco que temos pois sabemos que são eles que vão nos ajudar daqui pra frente!" Quanto as outras bandas, a filosofia da banda é o respeito, amizade e admiração, Caio diz "procuramos sempre estar por perto pra que todos tirem proveito de alguma forma e aprender algo!"

Perguntamos também sobre a estética do som da banda. Ele nos falou que no começo a idéia foi fazer uma música mais acessível e calma, explorando "só o lado do lindo vocal da Sabine, mas por coincidência todos eram dementes e gostavam de coisas dementes e fomos começando a fazer a música que simplesmente nos dava prazer mesmo. Agora posso dizer que rola literalmente de tudo nas músicas.", disse Caio.

E qual é a relação que a música tem com a arte e vice-versa para os caras? Caio diz que para ele a relação que a música tem com a arte é bem simples: música É arte! "Música é expressão, música é ação, música é mudança! Arte também é isso, creio que é principalmente ação sem violência! Um soco no estômago, mas de dentro pra fora!"

E a banda para se divertir fora da música toma uma bela cerveja, como diz o guitarrista, e que como são amigos fora da banda também se juntam a todos os outros amigos e vão a muitas festas e não negam uma boa pizzada na casa do produtor da banda, o Mané!
Por Lucas de Almeida
e Marci Kühn"

(http://egotrippingcultural.blogspot.com.br/2009_09_01_archive.html)

Disco e capa em excelente estado.
Edição Original Polysom.
Saindo por R$ 30,00