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"No fim da década de sessenta a música brasileira passava por um impasse. A força inovadora da bossa nova - a possibilidade de se fazer uma leitura sofisticada e universal do samba - já havia passado do auge. Os continuadores da bossa descambavam para a chamada "música de protesto". Na vertente oposta, a versão local do "iê-iê-iê", a jovem guarda, não primava pela criatividade. A tropicália implodiu a questão quando fez a ponte entre essas duas atitudes aparentemente inconciliáveis. A liberdade formal do tropicalismo foi um sopro de novidade. Se estendia desde a escolha dos ingredientes de sua geléia geral - de Vicente Celestino aos Beatles, passando (claro) por João Gilberto, - até roupas e capas de disco, fortemente influenciadas pelo psicodelismo.
"Transa" é o segundo LP do Caetano Veloso pós-tropicalista e o primeiro depois de seu exílio em Londres. Se o tropicalismo foi uma resposta pop aos tradicionalistas da MPB, "Transa" é uma espécie de reflexão em tons cinzentos sobre esse período. Na edição original era um disco-objeto: a capa se dobrava de maneira a formar um poliedro triangular. Foi produzido por Ralph Mace, o inglês que já havia produzido em Londres o seu álbum anterior ("Caetano Veloso", de 1971).
"Transa" é um disco bilingüe. Não só pelo fato de ser cantado em inglês e português, mas por transitar em duas linguagens musicais: o rock e a MPB. Mesmo recheado de referências e citações aos Beatles ("Woke up this morning / singing an old beatle song", em "It's a Long Way") e da bossa nova (trecho de "Chega de Saudades" que Gal canta em "You Don't Know Me"), ele declara sua indepedência de compromissos com qualquer forma de fazer música. Afinal, é como diz uma de suas mais belas canções, "Nine Out of Ten" (onde pela primeira vez ouvimos falar em reggae): "the age of music is past".
Assim, faixas com uma estrutura mais convencional convivem neste disco com canções como "Triste Bahia", um longo diálogo entre baixo e berimbau com trechos de um poema do poeta baiano oitocentista Gregório de Mattos ("Triste Bahia / Oh, quão dessemelhante / estais e estou no mesmo antigo estado / a ti tocou-te a máquina mercante / que em tua larga barra tem entrado") e de cantos de capoeira e afoxé - mais de seis minutos de uma longa litania que acaba num crescendo angustioso.
Ou então uma linda versão de "Mora na Filosofia", de Monsueto, com um brilhante arranjo que alterna momentos de economia - apenas baixo, violão e voz - com climaxes ("Pra que rimar amor com dor") com a percussão. Aqui, Caetano repete uma idéia utilizada no tropicalismo: a de recuperar pérolas esquecidas da MPB, rearranjadas de forma moderna - e às vezes bastante inusitada -, coisa que irá repetir ao longo de sua carreira.
As letras falam o tempo todo de desterro - não o que ele viveu realmente, mas uma espécie de desterro tanto em relação à cultura brasileira quanto em relação à cultura pop. Começa com "You Don't Know Me" (em que Caetano faz um trocadilho com at all e Apple, a gravadora dos Beatles). Daí vem "I'm alive / vivo / muito vivo" - com o duplo sentido de "I'm alive / I'm a lie" - para concluir depois: "That's what rock and roll is all about", sempre invadidos por trechos de canções folclóricas e tradicionais.
"Transa" é um exemplo de como podem ser inteligentemente trabalhadas as referências folclóricas e as cosmopolitas, o simples e o sofisticado. O resultado é o melhor disco de Caetano Veloso - que, apesar dos Meninos do Rio e outras babas afins posteriores, já teve momentos realmente brilhantes como compositor e letrista. E uma dica para quem tem má vontade com a música brasileira."
(Bia Abramo, Bizz#026, setembro de 1987)... ótima resenha da saudosa Revista Bizz
Faixas: A1. You Don't Know Me - 3:50 A2. Nine Out of Ten - 4:55 A3. Triste Bahia - 9:32
B1. It's a Long Way - 6:05 B2. Mora na Filosofia - 6:16 B3. Neolithic Man - 4:42 B4. Nostalgia (That's What Rock'n Roll Is All About) - 1:20
Disco e capa (dupla) em ótimo estado. Saindo por R$ 50,00
"Lynyrd Skynyrd é uma banda que surgiu em Jacksonville, na Flórida, EUA. Foi uma das principais disseminadoras do Southern Rock, junto com The Allman Brothers Band. Fez grande sucesso principalmente com as músicas “Free Bird” e “Sweet Home Alabama”, que já se tornaram trilhas sonoras de diversas obras cinematográficas.
O disco Street Survivors foi lançado em 1977, no dia 17 de outubro. Ao longo de todo o álbum, é possível ouvir faixas com diferentes estilos, que variam do rock ao country, passando por músicas mais dançantes e mais calmas. É um grande exemplo de versatilidade, porém com aquela coisinha característica que nos faz dizer que, ah!, é realmente uma música do Lynyrd.
A capa de Street Survivors é considerada um dos ícones norte-americanos. Ela mostra a banda e seus 7 integrantes, todos envoltos por chamas. Três dias após o lançamento do álbum, o avião que os levaria da Carolina do Sul até Lousiana, onde realizariam um show, sofreu um problema técnico e caiu; matando o vocalista Ronnie Van Zant, o guitarrista Steve Gaines, a back vocal Cassie Gaines e mais três integrantes da equipe. A partir de então, houve um aumento explosivo nas vendas do disco. Porém, em homenagem aos falecidos na tragédia, a capa em chamas foi substituída por um fundo preto – tornando a original uma raridade.
A primeira música, “What’s Your Name”, foi um dos hits que mais fizeram sucesso, emplacando em 13° lugar na Billboard. Com um ritmo dançante e um refrão do tipo chiclete, a presença de instrumentos como um teclado e saxofone garantem uma certa “leveza” para a música, que combina perfeitamente com a letra.
Todo esse clima de festa e curtição é brutalmente cortado com a próxima música, “That Smell”. Na temática do abuso de drogas, algo que a banda vivia devido à pressão de sua turnê, a canção é permeada por uma guitarra mais pesada e back vocals um pouco mais dramáticos. Também se tornou hit instantâneo, e já foi trilha sonora de diversos filmes – como Motoqueiros Selvagens (2007).
Mais calma, o tipo de música que você ouve enquanto dirige numa estrada, ao pôr-do-sol. Pode parecer cena de cinema, mas assim é “One More Time”, terceira faixa do álbum. Um dos grandes destaques da canção, em minha opinião, é o solo do guitarrista Steve Gaines, que dá o tom certo de peso, necessário para a música não se tornar tranquila demais.
“I Know a Little”, quarta faixa do álbum, remete imediatamente a Chuck Berry. A junção de teclados mais Steve Gaines mostra uma música diferente das tocadas anteriores, porém sem perder sua essência. O tipo de música que tocaria em um baile estilo Footloose, e todos levantariam para dançar.
“You Got That Right, primeira canção do lado B, apesar de ser boa, não traz muitas novidades em relação ao que o lado A apresentou. Muitas guitarras – afinal, a banda era composta por três guitarristas – dão um clima mais rock n’ roll, e a voz do vocalista Ronnie Van Zant e do próprio Gaines, com quem Zant divide os vocais, se destacam por cima desses arranjos. Preste atenção no solo final; é o que mais vale a pena, na minha opinião.
Lynyrd Skynyrd é uma banda que aprecia e sabe ressaltar seus instrumentos, principalmente as guitarras. “I Never Dreamed” já começa com um solo sensacional. Nada pesado; pelo contrário, é um solo muito bonito e fluído, com um toque certo de melancolia, que combina perfeitamente com a letra – que fala de uma desilusão amorosa.
“Honky Tonky Night Time Man” é a música com a pegada mais country do álbum; e também, a mais característica do southern rock. Ela mostra bem o estilo do Lynyrd, com toda aquela herança do sul dos Estados Unidos. Pudera, ela é um cover da música de mesmo nome do compositor de música country, Merle Haggard.
Finalmente, a última faixa é “Ain’t No Good Life”. Um blues bem pesado, com uma voz forte e a onipresença de teclados. Nessa música, os vocais ficaram por conta do guitarrista Steve Gaines, e foi a primeira canção gravada em um disco do Skynyrd em que Ronnie Van Zant não era o vocalista principal. É uma música sensual, perfeita para ouvir no bar ao fim da noite. Mais uma dose, por favor.
Em 2001, foram adicionados ao álbum mais cinco faixas: “Georgia Peaches”, “Sweet Little Missy”, “You Got That Right (Alternate Version)”, “I Never Dreamed (Alternate Version)” e “Jacksonville Kid”.
Street Survivors é um álbum interessante, bem montado e gostoso de ouvir, além de ter sido o trampolim para o duradouro sucesso de Lynyrd Skynyrd. É considerado um divisor de águas entre a formação clássica e a contemporânea da banda. Fica aqui a indicação, para quem conhece ou não. É uma ótima oportunidade de explorar Lynyrd Skynyrd, além de “Free Bird”."
"Se Clube da Esquina fosse apenas a resposta brasileira a Sgt. Peppers..., já se destacaria como uma importante contribuição ao pop internacional. Mas esta magnífica coleção de canções, lançada originalmente como um álbum duplo, também transformou Milton Nascimento, Lô Borges, Beto Guedes e Toninho Horta em artistas de sucesso pelo seu próprio talento.
Embora Milton Nascimento - um cantor carismático com um falsete puro e cheio de espiritualidade - seja o centro de gravidade do álbum, ele ainda não era uma grande estrela, e ... Esquina é muito mais um trabalho de grupo, co-creditado também a Borges. O disco mistura sons oníricos, letras surrealistas e uma ampla variedade de influências sul-americanas. É um marco da música popular que abriu as portas da criação para outros artistas.
O Clube da Esquina era um grupo de amigos de Belo Horizonte (MG). Eles passaram seis meses, em 1971, numa casa alugada na Praia de Piratininga, em Niterói, compondo e compartilhando seu amor pelos Beatles. De volta ao estúdio, a música ganhou uma grandiosidade suntuosa com a orquestração de Eumir Deodato e Wagner Tiso. O álbum contém uma série de clássicos, como "Cravo e Canela" e "Nada Será Como Antes". A influência dos Beatles é particularmente forte no "rock mineiro" de Lô Borges, em faixas como "O Trem Azul" e "Nuvem Cigana", músicas delicadas, cheias de encanto e sutilezas."
(Resenha extraída do livro "1001 Discos para Ouvir Antes de Morrer")
Disco e capa (dupla) em ótimo estado. Edição Original de 1972. Saindo por R$ 70,00
"Gravado no Rainbow Theatre, localizado no Finsbury Park em Londres, não por necessidade, mas por uma exigência do mercado fonográfico. Aconselhados pelos executivos da gravadora EMI Bovema Holland, pois estavam surgindo vários álbuns “ao vivo”, principalmente de rock progressivo, o Focus gravou o seu, mas, com personalidade. A seguinte nota foi publicada na época pelo jornal Melody Maker: “Eles nem deviam gravar em estúdio, pois são absolutamente perfeitos num palco”.
O grupo, em 1973, contava com a formação clássica. O fundador e líder, o carismático Thijs Van Leer (órgão, flauta e vocais), formado pelo Liceu Musical de Amsterdam; o virtuoso guitarrista, violonista e tocador de alaúde, Jan Akkerman (ex-Brainbox), também formado pelo Liceu Musical de Amsterdam; o baterista Pierre Van Der Linden (ex-Brainbox e futuro integrante do Trace) e; o baixista Bert Ruiter (também ex-Brainbox). Esse álbum apresenta músicas dos LPs: Moving Waves (71) e Focus III (72), segundo e terceiro discos da banda, respectivamente.
“Focus III” é a primeira do disco, começando como na versão original, com o ótimo solo crescente do Hammond de Thijs, até a entrada de bons acordes do baixo de Bert Ruiter acompanhado da guitarra de Akkerman. Contando com um coro de Van Leer ao fundo, essa música calma fica empolgante, quando surgem vigorosas batidas de bateria e um excelente solo de guitarra, que faz um bom tema, terminando a faixa.
“Answers? Questions! Questions? Answers!” é iniciada com um solo de baixo junto com Thijs fazendo um timbre grave e outro agudo de sua voz e, batidas fortes de bateria, sempre com o som do órgão como base. Depois recebe o som da guitarra. Alternando momentos agitados, como os bons solos de guitarra e, momentos calmos, como a excelente flauta de Van Leer, que sola por mais de dois minutos até entrar, novamente, Jan Akkerman com solos rápidos e precisos. A música chega ao fim com um som forte de órgão fazendo base para os outros instrumentos.
Thijs inicia “Focus II” com a bela introdução de órgão. Essa ótima música, apresenta variantes, sempre com Akkerman fazendo solos excelentes, alternando agudos e graves de sua Gibson Les Paul. Van Der Linden faz mais um bom trabalho na bateria. A faixa tem o final parecido com o de “Answers? Quetions! Questions? Answers!”.
Após o término de “Focus II”, Thijs Van Leer cumprimenta o público, anunciando o que a banda tocou e, a próxima música, que é... “Eruption”, que apesar de nào conter todas as suas partes, mostra o excepcional dueto (ou seria duelo) de Akkerman e Van Leer. Pierre Van Der Linden está bastante ágil. Bert Ruiter faz mais uma boa linha de baixo. Um dos pontos altos da música é a parte “Tommy”, que tem mais ótimos solos de guitarra.
De repente: “Abra Cadabra”!! Começa “Hocus Pocus” com curtos riffs de guitarra fazendo introdução para as macabras batidas de Van Der Linden. Bert Ruiter detona com bizarros acordes de baixo. Marcada pela cantoria Yodel (canto típico do Tirol, uma província da Áustria, localizado nos alpes) de Thijs, que mostra toda sua potência vocal, inclusive com uma impressionante seção de assobio. Mais extensa que a original, Thijs apresenta a banda fazendo parecer mais uma parte da música, em uma integração perfeita. A bruxaria acaba com um rápido solo de Akkerman, que faz a platéia ir ao delírio!
Com o início diferente e menor que a versão de estúdio, “Sylvia” começa com ótimos riffs de Jan Akkerman, que dá um show numa das mais, senão, a mais bela música do Focus. Finalizando esse magnífico disco, “Hocus Pocus (Reprise)”, com seu ritmo alucinado, deixa o ouvinte pedindo bis.
É, para mim, um dos melhores álbuns do Focus e, um dos melhores álbuns “ao vivo”. Recomendo para quem não gosta de gravações de shows e, pra quem gosta, pois é um “prato cheio”. Thijs Van Leer, em entrevista no Brasil em novembro de 2002, disse: “Temos muitos elementos de música clássica. E isto não pode ser progressivo porque é antigo. Antigo como Johann Sebastian Bach, como Johannes Brahms, que estão mortos há muito tempo. Por outro lado, somos progressivos ao misturar diferentes estilos. Como nos chamar? Somente Focus”. Concordo e assino em baixo, pois o som dessa banda é inconfundível.
Curiosidade: Hocus Pocus só fez sucesso nos EUA (o maior mercado musical), figurando no Top 10 da Billboard, com essa versão do “Live At The Rainbow”."
"Renovação é uma palavra que sempre esta na moda pois toda vez que um modelo se mostra desgastado a sociedade pede para que novas alternativas sejam criadas a fim de buscar novos caminhos até encontrar, digamos, o ponto ideal. Isso é muito comum na política e na maioria dos casos o que era uma esperança renovadora transforma-se em pesadelo terrível e de conseqüências desastrosas, é o que estamos vivenciando atualmente, um processo continuo de desesperança nas instituições políticas e em seus protagonistas, desde o mandatário chefe ate aqueles que se dizem “representantes do povo”. Contudo, já dizia o poeta, a esperança é a ultima que morre, no Brasil ela já há muito agoniza numa UTI e as perspectivas de sobrevida são mínimas, mas enfim, sem redundância, enquanto há esperança há vida, vamos portanto, seguir adiante.
Os renovadores porém, não ocorrem ou tentam camufladamente ocorrer apenas na política, mas em todos os segmentos, principalmente nas artes, vejamos por exemplo as diversas escolas de pintura que se formaram ao longo do século XX, as tendências literárias, a estética arquiteturial e a música. Esta última principalmente no Brasil a partir da segunda metade da década de cinqüenta será totalmente renovada e como conseqüência irá nortear os rumos de nossa canção popular durante todo o período seguinte, e é justamente nos anos sessenta que ela vai enfrentar novas batalhas modernizadoras com tropicália bananas ao vento e inúmeros protestos numa grande festa de arromba que irá sacudir o país revelando e ampliando os conceitos daquilo que se projetava como um modelo de nacionalidade, plural, rica e contraditória.
Nos anos que se seguiram ao grande barato dos sessenta o nosso céu de anil foi iluminado com o ufanismo do eu te amo meu Brasil, fantasiado com retalhos de cetim, estimulado ao crescimento demográfico com o pare de tomar a pílula, arrombando a festa e provocando todo o clímax do período com uma retomada nostálgica de um tempo ainda vivo buscado nos ideais paternos para justificar o vazio ideológico reinante, por isso que queríamos ser como nossos pais ou vivendo como um bêbado e um equilibrista. No meio de todas essas desesperanças/esperanças a musica ia se renovando mas mantendo ao mesmo tempo um tradicionalismo profundo, era necessário uma ruptura, lenta, gradual e irrestrita, para não chocar os puritanos bossanovistas/tropicalistas/jovenguardistas e breguistas de então, algo precisava ser feito, e alguém o estava fazendo com muita competência, amadurecendo o estilo, conservando um certo academicismo musical e literário, mas renovando a estética de nossa canção e que iria dar o toque diferencial dos anos setenta. Egberto Gismonti é o personagem em questão e sua musicalidade invadiria os lares com muita sutiliza mas depois se firmaria criando uma nova tendência, uma escola, assim se transformava a musica brasileira com um artista não muito popular para a maioria, mas o que importa não é a sua popularidade e sim a qualidade e o talento, atributos que ele tinha e tem ainda de sobra.
No inicio dos anos setenta ele já era um artista conceituado inclusive no exterior e sua musica renovadora foi batizada de progressista misturando o rigor acadêmico com novas buscas sonoras e uma inquietude criativa muito intensa. Arranjador, instrumentista, compositor e intérprete em 1972 lança pela Odeon seu terceiro disco Água & vinho, nesse trabalho ele da vazão a sua inquieta inventividade viajando pelo Brasil com um show homônimo baseado no repertorio do LP, marcando uma das primeiras tentativas de se levar ao publico brasileiro algumas concepções de free-jazz realizando vários improvisos com inumeros instrumentos ao mesmo tempo. O disco é o resultado de um trabalho extremamente sério, não somente em termos musicais, mas técnica também, recebendo aplausos da critica e conseguindo um êxito popular além das expectativas. A faixa titulo Água e vinho é uma composição de linguagem romântica e moderna com letra de Geraldo Carneiro, parceiro mais constante de Egberto Gismonti nessa ocasião provocando-nos um clima de reflexão e relaxamento difíceis de definir.
Durante todo o disco podemos perceber o virtuosismo de Egberto no piano, bem como a beleza de suas composições e arranjos, notadamente em Ano zero, um dos pontos máximos do trabalho em que a fusão de percussão, lirismo e orquestra se completam de modo brilhante, onde o belo é permanente e profundo. Frederico segue no mesmo clima lírico/reflexivo e em Janelas de ouro, temos a fusão do free-jazz com elementos percussivos do baião. O disco encerra uma fase importante da carreira de Egberto Gismonti que iria dar saltos cada vez mais inovadores em sua estética musical, contudo, é um trabalho que rompe com um modelo musical já enraizado trazendo-nos um padrão estilístico que amadureceria e seria responsável pelos novos caminhos conceituais que a musica popular iria tomar influenciando uma nova geração de compositores.
Água e vinho não é apenas um disco para se ouvir, tem que senti-lo, compreendê-lo em plenitude apreciá-lo em suas minúcias, pois ali esta o Brasil renovado, enfim é uma obra prima da arte musical brasileira onde a nossa raiz se faz presente em todos os sentidos, por isso que talvez no inconsciente do artista não tenha sido mera coincidência finalizar o LP com Mulher rendeira, uma de nossas mais tradicionais canções em um arranjo ousado e definitivo.
Luiz Américo Lisboa Junior Itabuna 8 de fevereiro de 2006."
"AI Jourgensen, da genial noise band Ministry, já avisou que está muito a fim de produzir o próximo disco do Sepultura. Só que esperar esse encontro matador vai ser um saco e dá para saber como será o som dessa trolha: basta escutar Prove You Wrong do furioso Prong. O som do Prong parece feito por figuras brotadas de um experimento genético bizarro, em que o doutor Xavier hibridizou células do célebro de Al Jourgensen com outras dos bagos dos irmãos Cavalera. Resultado: um cruzamento poderoso entre o melhor do thrash metal e a nata do rock industrial.
Não desanime com os títulos "profundos" das músicas ("Sem Sentido", "Contradições", "Impossível Negar"), porque entre o Prong e o cabecismo infanto-senil de Simone ou Renato Russo vai a mesma distância que separa a escrita hieroglífica do processamento de texto em um supercomputador Cray-2. Faixas como "Irelevant Thoughts" e "Torn Between" despejam toneladas de guitarras distorcidas, mas não dispensam riffs catchy para viciar o ouvinte. Em "Positively Blind, o Prong até arrisca uma batida funkeada. Resulta aquilo que o Living Colour aprontaria se recebesse um implante maciço de neurônios. O baixo da faixa "Prove You Wrong" parece vir direto de um depósito de lixo. Beleza.
A crítica estrangeira baba para o Prong. Daina Darzin chegou a escrever na Spin que o som deles "toma conta de seus gânglios, feroz e aterrorizante, como um filme de horror que te assusta tanto que depois de vê-lo você só consegue ir para a cama de luz acesa". Não chega a tanto, claro. Perto dos experimentos noisy percussivos do Big Black de Steve Albini, por exemplo, Prong fica reduzido a musica para nenê. Mas já é alguma coisa, em uma cena pop que parece ter na automutilação a única saída para um passado recente de malismo exacerbado.
(Resenha por Álvaro Pereira Junior [revista bizz - fevereiro/1992])
Disco e capa em ótimo estado; com encarte. Edição Brasileira Original de 1991. Saindo por R$ 30,00
"Londres, 1967. O mundo fervilhava em meio a novas manifestações culturais. Valores e condutas antes considerados tabus passam a fazer parte do cotidiano. Na música, ainda o mundo estremecia chocado com a nova realidade que seria trazida pelo dito “Grande Tripé” musical que viria a revolucionar tudo o que era até então concebido como música: os Beatles, com o seu “Sargent Pepper’s...”, que colocava em xeque tudo o que estava vigendo na antiga e solidificada ordem, sem fórmulas prontas e acabadas, garantindo ao ouvinte uma surpresa a cada canção; The Doors, com o seu disco de estréia, unindo o lirismo intimista à um rock mais pesado e o Velvet Underground, que sintetizava cultura concreta e melodia em um só corpo. Consolidada já como uma das maiores bandas da época, os Rolling Stones eram conhecidos pela união de sua robustez musical, baseada nas antigas canções de blues dos EUA, à inconseqüência típica da juventude. Grande expectativa no meio artístico pairava sobre qual a resposta que o grupo iria dar a esta nova “ordem”.
Embora fossem amigos de longa data dos rapazes de Liverpool, Mick Jagger, Keith Richards e Brian Jones sentiam na pele o fato de estarem em gravadoras rivais, tendo desde o início surgido como uma resposta “suja” em alternativa aos bons moços dos Beatles. Porém agora, quando os mocinhos viraram bandidos, cantando experiências alucinógenas em suas canções, o que sobraria para eles... A sua gravadora, a Decca Records, desde logo, com vistas a aproveitar a nova onda alternativa que se formava, pressionou-os a fazer também o seu “álbum psicodélico”, fato que de logo teve sua resistência. Após muita pressão, o desafio foi aceito. Começava a surgir, então, “Their Satanic Majesties Request”, o maldito álbum dos Rolling Stones.
Para a concepção da obra-prima, tanto a gravadora quanto os próprios Stones não pouparam esforços. Após muita discussão sobre a quem recorrer, veio de Brian Jones a idéia de chamar os maiores especialistas do mundo no gênero, os próprios Beatles. Em um primeiro momento, a Decca foi duramente contrária a esta idéia, pois se tratavam dos seus maiores rivais no cenário musical. Com muita negociação, porém, acabou esta cedendo, desde que não fosse a negociação oficialmente divulgada, bem como o nome dos convidados não apareceria nos créditos finais do álbum. Assim, feito e aceito o convite, antes dos rapazes de Liverpool fazerem seu retiro espiritual na Índia, no fim do ano (fato que serviu de base para a elaboração do “White Álbum”, lançado no ano seguinte) John Lennon e Paul McCartney, deram a sua contribuição. Outra ajuda significativa para a confecção da obra foi a contratação do então desconhecido engenheiro de som John Paul Jones para ser encarregado dos arranjos de cordas constantes em algumas faixas do disco. Jones mais tarde viria a ser baixista e tecladista do Led Zeppelin.
Pouca coisa se sabe a respeito das sessões de gravação deste álbum. Sabe-se que a saúde de Brian Jones já estava um tanto debilitada pelas drogas (este viria a ser o último disco com a sua participação efetiva, vindo ele a falecer em 1969). As participações dos Beatles se deram em uma secreta sessão de estúdio, fazendo parte dos vocais de apoio do desafinado coral que canta a música de abertura do disco, “Sing This All Together”, uma faixa que convidava a todos a cantarem a nova canção, numa sátira à nova mania musical que os próprios Stones tiveram que aderir (“Why don’t we sing this song all together/Open our heads let the pictures come/And if we close all our eyes together/Then we will se where we all come from”, canta o refrão da música). Contudo, a maioria das composições trazidas para integrar o projeto era de cunho eminentemente stoniano, sem qualquer relação com psicodelia, tendo que ser estas adaptadas ao clima desejado no disco. Talvez por isto, na urgência do lançamento do álbum, o único single a ser lançado era justamente da única música não assinada pela dupla Jagger/Richards, “In Another Land”, de Bill Wymann, baixista do grupo, a única música originalmente semelhante a que se propunha a gravadora.
O álbum apresentava uma estrutura conceitual, com duas partes distintas. A primeira, delimitada pelo Lado A do disco, começa com a já referida “Sing This All Together”. Seguem-se a ela a pesada “Citadel”, onde se torna inconfundível o timbre da guitarra de Richards, tipicamente psicodélica, relembrada anos mais tarde nos filmes do detetive Austin Powers; a também já referida “In Another Land”, música de Wyman, retratando um mundo surreal (“were the breeze/and the trees and flowers were blue”), a muito boa “2000 Man”, canção de musicalidade inicialmente acústica, com intermédios tipicamente stonianos, que conta a história de um homem cujo nome é um número, que vive entre flores e tem um caso com um computador; e por fim traz a longa colagem sonora de “Sing This All Together (See What Happens)”, uma espécie de reprise da primeira música. A segunda parte começa com “She’s a Rainbow”, um dos clássicos do disco, com o arranjo mais trabalhado, onde se sente a mão de John Paul Jones. Daí partem a introspectiva “The Lantern”, a viajante “Gomper” até chegar em “2000 Light Years From Home”, a música mais famosa do álbum, ressucitada na turnê “Steel Weels”, do final dos anos 80. Essa música, embora originalmente despretensiosa, deu início à temática “espacial” do meio psicodélico do fim dos anos 60, que teve como expressão maior o início do Pink Floyd, com Syd Barret (escuta-se Astronomy Dominé e Interestrellar Overdrive, faixas do seu primeiro álbum, e logo se vê a semelhança). Por fim, o disco traz “On With The Show”, música que retrata o ambiente de uma casa de shows noturnos, onde Jagger atua como Mestre de Cerimônias – um conceito que daria origem ao clássico Rolling Stones Circus, disco ao vivo gravado no ano posterior.
O álbum aqui retratado não teve boa aceitação tanto de público como de crítica quando do seu lançamento. Porém sua importância na história do rock é inegável, seja pela influência trazida para o cenário da época em outras bandas (veja o já referido Pink Floyd), ou também pelo que viria a guiar o trabalho dos próprios Stones no futuro. A partir dessa experiência “mal sucedida” surgiram os maiores sucessos do grupo. Vê-se a influência conceitual de “2000 Man” em “Sympathy For The Devil” e “Jumpin’ Jack Flash” e a experimentações de diferentes tendências musicais, como o country americano em “Country Honk”, do álbum “Let It Bleed” ou o gospel de “Shine a Light”, do, este sim obra prima “Exile On Main Street”. O Satânico disco dos Stones merecem sim ser reestudado e colocado em um melhor lugar na história do rock’n’roll.
É o segundo álbum de estúdio do Marillion. Este álbum teve um processo de gravação conturbado, devido à saída do baterista Mick Pointer após a turnê do álbum anterior. Durante boa parte do processo a banda gravou sem baterista oficial, até que Ian Mosley fosse escolhido e finalizasse as partes de bateria.
O estilo sonoro do disco é, de modo geral, mais sombrio e agressivo que o de Script for a Jester's Tear, possuindo uma maior tendência para o Hard Rock e para a música eletrônica. A maior parte das letras aborda questões relativas a relacionamentos humanos: "Punch and Judy", "Jigsaw", "Emerald Lies", "She Chameleon", "Incubus". Também são feitas críticas sociais ("Fugazi") e uma referência ao ex-baterista Mick Pointer ("Assassing").
Apesar dos problemas, o álbum foi um sucesso no Reino Unido: emplacou o quinto lugar na parada de álbuns por vinte semanas, além de dois singles (Punch and Judy e Assassing) no Top 40 do UK Singles Chart.
Disco e capa em excelente estado. Edição Brasileira Original de 1984. Saindo por R$ 20,00
"Esse disco com certeza deveria entrar para a estória do Purple como um de seus grandes clássicos de todos os tempos. Primeiro disco da banda sem Blackmore na guitarra, esse álbum marcou o fim da banda no meio da década de setenta. Um ano antes Richie Blackmore havia deixado o grupo por não gostar do novo direcionamento que a banda estava tomando, mostrado com clareza em “Stormbringer” de 74. Chamaram, então, um velho amigo de Coverdale para assumir as seis cordas da banda, e esse foi o fabuloso Tommy Bolin.
O disco começa espetacular com “Comin’ Home”, mostrando que a banda não tinha esquecido como se fazia o tipo de som que a consagrou. Depois vem “Lady Luck” que dá a leve impressão de que o disco não irá manter o nível, em termos de composições como mostrado na primeira faixa, o que não quer dizer que a música seja ruim. Na sequência, “Gettin’ Tighter” e “Dealer” são músicas fabulosas e que remetem ao melhor estilo apresentado no álbum anterior. Já “I need love” e “Drifter”, seriam como a já mencionada “Lady Luck”, talvez sendo “Drifter” um pouco melhor que essas outras duas. A partir daí “Love Child”, “This Time Around” “Owed to ‘G’” e “You Keep on Moving”, que fecha o disco, mostram um Purple inspiradíssimo e com muito a dizer ainda.
Bolin mostrou ser um excelente guitarrista, seja na sua performance mostrando um lindo timbre de guitarra com muito feeling, solos muito bem colocados e arranjos sensacionais como podemos conferir na última faixa, seja como compositor, já que ele escreveu mais da metade do álbum. Jon Lord e Ian Paice como sempre estão esplendorosos em seus instrumentos. E o que dizer da dupla Coverdale e Hughes? O primeiro, um barítono de extrema competência, afinadíssimo, interpretando as músicas como ninguém, com certeza o melhor trabalho vocálico dele no Purple. O segundo um baixista de altíssimo nível mostrando toda a sua versatilidade neste instrumento, recheando o disco com toques de blues, groove, soul music e hard rock. Quanto a sua voz... nada a se comentar, maravilhosa como sempre, alcançando notas em escalas fantásticas. O dueto que os dois fazem em “You Keep on Moving” é sinceramente o dueto mais lindo que já ouvi na vida. Talvez se essa formação tivesse continuado por mais algum tempo teria rendido grandes frutos ao Rock & Roll.
“Come Taste The Band” retrata uma banda em formação, sem 100% de entrosamento, mas que mesmo assim conseguiu fazer um disco excelente. Ouvi-lo não lhe faz sentir falta dos álbuns anteriores e nem de Richie Blackmore."
Disco em ótimo estado - com sinais de uso -, sem riscos. Selo do disco com "assinaturas" (vide foto) Capa (dupla) em muito bom estado - com encarte. Edição Brasileira Original de 1975. Saindo por R$ 30,00
Formada em 1967, Toronto, Canadá, EUA, o grupo foi o intérprete de um dos maiores hinos do rock’n’roll e dos motociclistas de todo mundo. Originalmente, o Steppenwolf se chamava Sparrow, tocava blues e música folk, e por sugestão do produtor Gabriel Mekler, que em 1967 propôs para a banda deixar o som mais pesado ao estilo hard rock, surgiu o Steppenwolf.
Sua formação original foi: John Kay (voz e guitarra), Michael Monarch (guitarra 1967-1969), Goldie McJohn (teclados 1967-1974), Rushton Moreve (baixo 1967-1969), e Jerry Edmonton (bateria 1967-1969).
A canção "Born to Be Wild" pertence ao álbum Steppenwolf de 1968, o primeiro da banda, e já foi regravada regravada por bandas como: The Rolling Stones, AC/DC, The Cult, Ozzy Osbourne, Slayer, Hinder, entre outras, e também foi tema do filme “Sem Destino’(Easy Rider).
"Born to be Wild" também recebe o crédito com a frase, "Heavy Metal Thunder", contido no segundo verso da letra do clássico, o qual serviria mais tarde para denominar o estilo heavy metal.
Disco em muito bom estado, com chiados ocasionais. Capa ("sanduíche") em muito bom estado. Edição Brasileira de 1969. Saindo por R$ 40,00
Humble Pie foi uma banda de rock and roll formada em 1969 por Steve Marriott (dos The Small Faces), Peter Frampton, Greg Ridley (ex-Spooky Tooth) e Jerry Shirley. Seu compacto de estréia foi "Natural Born Boogie", um sucesso britânico, que foi seguido pelo álbum As Safe As Yesterday Is. Problemas pessoais e disputas entre gravadoras impediram a banda de atingir sucesso em massa, e Frampton deixou o Humble Pie em 1971 para iniciar uma carreira solo.
Com Dave Clempson substituindo Frampton, o Humble Pie evoluiu para um som ainda mais pesado, firmado nas raízes blues e soul de Marriott, mas ainda assim foi incapaz de chegar ao grande público. Mudanças constantes em sua formação impediram a banda de atingir seu potencial completo, embora eles tenham continuado gravando e se apresentando até 1976.
Em Street Rats, o último disco dessa fase, das 11 faixas, 5 são covers; "Rain", "We Can Work it Out" e "Drive My Car" dos Beatles; "Rock and Roll Music" de Chuck Berry e "Let Me Be Your Lovemaker" de Reid/Clark/Wright, sendo notável a transformação ocorrida nessas faixas, sendo reconhecidas mais pelas letras do que pelo som, em uma suja mistura de blues e rock - o título dá uma ideia do som.
Produzido por Andrew Loog Oldham e Steve Marriott;grvado no Olympic Studios e Marriott's Clean Sounds studio em Essex, England.
Disco e capa em ótimo estado. Edição Brasileira Original de 1975. Saindo por R$ 25,00
"Uma das bandas mais cultuadas do rock, o Lynyrd Skynyrd tem uma história trágica. Dia 17 de outubro de 1977, apenas três dias após o lançamento do ótimo álbum "Street Survivors", que vinha na esteira do duplo ao vivo "One More From The Road", lançado no ano anterior e que consolidou o Skynyrd como um dos maiores nomes do rock americano, o avião da banda caiu a caminho de um show na Universidade de Lousiana, matando o vocalista Ronnie Van Zant, o guitarrista Steve Gaines e a sua irmã, Cassie Gaines, que fazia backing vocals para o grupo, além do manager Dean Kilpatrick.
Falar de um show do Lynyrd Skynyrd, o maior nome do southern rock, com a banda no auge, durante a turnê de um dos seus melhores álbuns, é covardia. O LP é um desfile de clássicos, e abre com "Workin' For MCA", seguida de "I Ain't The One" e de um dos destaques do disco, "Saturday Night Special", onde podemos sentir na pele todo o poder do paredão de guitarras formado por Gary Rossington, Allen Collins e Steve Gaines (só para constar: quando o Iron Maiden anunciou a volta de Bruce Dickinson e Adrian Smith ao grupo em 1999, Steve Harris declarou não lembrar de nenhuma banda que tenha feito algo relevante com três guitarras, com exceção do Lynyrd Skynyrd).
Como uma máquina do tempo que nos leva de volta para o passado, "Whiskey Rock-A-Roller" e a matadora "Travelin' Man" (outro destaque em um show repleto de pontos altos) fazem você se sentir no meio da multidão.
"Travelin' Man", aliás, merece um parágrafo a parte. Uma das melhores canções do grupo, tem a sua raiz em uma linha de baixo matadora de Leon Wilkinson, com as guitarras entrando aos poucos e se interligando completamente, como se, ao invés de três guitarristas, o Lynyrd Skynyrd tivesse apenas um, com seis braços tocando dezoito cordas. De arrepiar.
"Gimme Three Steps", a versão para "Call Me The Breeze" de J.J. Cale e "T For Texas (Blue Yodel No. 1)" abrem caminho para o encerramento sensacional do show, com os dois maiores clássicos do Skynyrd: "Sweet Home Alabama" e "Freebird".
Marca registrada do grupo, "Sweet Home Alabama" foi gravada como uma resposta a "Southern Man" de Neil Young (do álbum "After The Gold Rush", de 1970), crítica feroz do artista canadense ao comportamento racista dos estados do sul dos Estados Unidos, pivô de diversos conflitos raciais e local de origem de associações como a Klu Klux Klan. Essa música encerra o registro do show do grupo em Knebworth.
Quem quer entender o rock and roll e suas transformações em mais de cinqüenta anos de vida precisa conhecer certas bandas, certos álbuns e certas músicas. "One More From the Road" mostra um dos maiores grupos dos anos setenta no auge, com a sua melhor formação (Ronnie Van Zant no vocal, Gary Rossington, Allen Collins e Steve Gaines nas guitarras, Leon Wilkinson no baixo, Billy Powell no piano e Artymus Pyle na bateria), tocando em um de seus últimos shows."
Discos (duplo) em excelente estado. Capa em muito bom estado, com pequena rasura na frente (vide foto). Edição Brasileira Original de 1976. Saindo por R$ 70,00
Em sua passagem por Paris, ocasião em que foi chamado para um show para a TV francesa, Baden e seu regular quarteto gravaram uma série de 3 álbuns em 3 dias (!), apresentando composições recentes e novas versões de "traditionals" do cancioneiro popular brasileiro, em um clima de improvisação e criatividade.
Faixas:
01 – Pra Que Chorar (Baden Powell / Vinicius de Moraes) 02 – Refém da Solidão (Baden Powell / Paulo César Pinheiro) 03 – Do Jeito Que a Gente Quer (Ed Lincoln) 04 – Rapaz de Bem (Johnny Alf) 05 – Atirei o Pau no Gato (Tradicional) 06 – Dora (Dorival Caymmi) 07 – Batuque (Tradicional)
Disco e capa em ótimo estado. Edição Brasileira de 1972. Saindo por R$ 30,00
Único álbum ao vivo lançado em vida pelo mestre do soul, lançado 5 meses antes de sua morte em 10 de dezembro de 1967. Foi gravado durante a "Stax/Volt tour" na Europa, na qual Redding foi apoiado por Booker T. & the MG's, mais especificamente no Olympia Theatre, Paris, em 21 de março de 1967.
Em 2003, a revista Rolling Stone listou o álbum entre 500 grandes álbuns de todos os tempos (em 474º).
Disco e capa em excelente estado. Edição Brasileira de 1977. Saindo por R$ 20,00
Winston Hubert McIntosh, mais conhecido como Peter Tosh (Westmoreland, 18 de outubro de 1944 – Kingston, 11 de setembro de 1987) foi um pioneiro músico de reggae/ska, conhecido pela sua militância, por ser bem-instruído e por se meter frequentemente em confusões.
No começo dos anos 1960 ele conheceu Bob Marley e Bunny Livingston, formando o grupo Wailing Wailers. Depois que Marley retornou dos Estados Unidos em 1966, os três passaram a se envolver com a religião Rastafari, mudando o nome da banda para The Wailers.
Eles conseguem um contrato com a Island Records, lançando Catch a Fire em 1972 e Burnin' em 1973. Neste mesmo ano, Tosh se envolve em um sério acidente automobilístico. Seu carro cai de uma ponte, matando sua namorada e deixando Tosh com uma fratura grave no crânio. A partir de 1976 segue em carreira solo, com discos que o tornam um dos maiores ícones do reggae, tais como: Legalize It (1976), Equal Rights (1977), Bush Doctor (1978) e Mystic Man (1979)
Disco e capa em excelente estado. Edição Brasileira Original de 1979. Saindo por R$ 25,00
"Nem só a Inglaterra produzia material de qualidade em termos de rock progressivo. Outros países como Itália, Alemanha e principalmente o leste europeu possuiam bandas de alto calibre, capazes de degladiar com os dinossauros britânicos de igual para igual. E na nossa terra brasilis as influências britânicas chegaram como uma brisa em um dia de verão, Diversos grupos surgiram no início dos anos 70 com a finalidade de lançar aos brasileiros algo na linhagem progressiva da Europa, mas com adaptações para os ouvidos acostumados com uma sonoridade mais leve, que aproveitavam a grande onda da jovem guarda e também do sucesso da bossa nova.
Um dos principais expoentes do rock progressivo brasileiro foi o grupo O Terço. Nascido em 1970, o primeiro álbum do grupo foi batizado apenas com o nome da banda, e com um circunflexo no e, ou seja, O Têrço, trazendo uma mistura de folk com rock que lembra bandas como The Band, Crosby Stills Nash & Young e principalmente o Buffalo Springfield. Nessa época, o grupo era formado por Sérgio Hinds (guitarra, vocais), César de Mercês (baixo), Jorge Amiden (guitarra) e Vinícius Cantuária (bateria), e após o lançamento do primeiro álbum, depararam-se com o rock progressivo, e perceberam que nem tudo era flores.
Passam então a construir seus instrumentos e a fazer diversas experimentações. Entre os principais instrumentos, estão a famosa "Tritarra", uma guitarra de três braços que Amiden empunhava para executar as difíceis peças que a banda começava a criar, bem como o violoncelo elétrico que Sérgio tocava. Esse violoncelo pode ser ouvido, por exemplo, em "Doze Avisos", uma bolachinha que o grupo gravou inspirado nos sons que andavam ouvindo. Após a participação do grupo no VI FIC (Festival Internacional da Canção), Amiden discutiu com os demais integrantes, abandonando o barco.
O trio decidiu mudar o nome para O Terço (sem o circunflexo) e logo foram para os estúdios. É no primeiro álbum com a nova formação, Terço, lançado em 1973, que o grupo apresentou sua nova sonoridade. Trazendo a experiência de uma apresentação na França acompanhando o cantor Marcos Valle, o trio construiu o álbum que daria o passo para o sucesso do O Terço um ano depois, com o lançamento de Criaturas da Noite (1974), deixando registrado no lado B deTerço uma maravilha do mundo prog feita em nosso país.
"Amanhecer Total" é daquelas raras composições onde um grupo entrega-se em busca da perfeição. Dividida em cinco partes ("Cores / Despertar pro Sonho / Sons Flutuantes / Respiração Vegetal / Primeiras Luzes no Final da Estrada - Cores Finais") e com a participação do excelente tecladista Luiz Simas, que fazia parte de outro grande grupo progressivo nacional, o Módulo 1000, e também de Patricia do Valle (vocais), Chico Batera (percussão) e Maran Schagen (piano), ela ocupa todo este lado em seus quase vinte minutos de muita viagem.
O início com "Cores" traz somente a voz de Patrícia cantando a letra "branco branco, amarelo, cor-do-sol, Luz e sol, luz do sol, arco-íris brilhando no céu azul", acompanhada pelos violões de Sérgio e os efeitos de Chico Batera, no melhor estilo Jamie Muir, entrando então no "Despertar pro Sonho", com o violão sendo acompanhado por sons de mata e floresta. As escalas de Sérgio soam indígenas, até a entrada de Simas com o moog. Os vocais então trazem as lindas letra e melodia, falando sobre "acordar de um mundo adormecido, de um sono eterno, despertar", ou seja, uma espécia de "Awaken" antes mesmo da mesma ter sido concebida, acompanhadas pelos violões e por intervenções de mini-moog e percussão. O arranjo musical dessa parte da canção é sensacional. Apenas os violões e a percussão criam um ambiente para viajar literalmente, fazendo o ouvinte se sentir em um mundo isolado dos demais seres humanos.
Camadas de teclados endoidecidas nos levam aos "Sons Flutuantes", numa viajante sessão com César cantando sobre essas camadas, para daí entrar na melhor parte da canção, a marcada "Respiração Vegetal", onde guitarra, teclado, baixo e moog fazem diversas escalas, com Vinícius tocando cirurgicamente. Baixo e guitarra fazem escalas pesadas, com o órgão interferindo sobre a levada de bateria. A guitarra então sola super distorcida, para assim os vocais assumirem novamente o posto principal. Temos então o solo de órgão acompanhado pela sessão instrumental anterior, muito pesada, e que repete a estrofe mais uma vez, com a mesma sessão rítmica. Destaque para a intrincada peça criada por Mercês e Cantuária para acompanhar o solo de órgão.
O piano de Maran muda o clima em "Primeiras Luzes no Final da Estrada - Cores Finais", numa linda melodia onde a letra de "Cores" é repetida diversas vezes sobre camadas de piano, moog, teclados, baixo e bateria. Nada mais nada menos que DIVINO!
Em 1974, a entrada de Luiz Moreno para o lugar de Vinícius, e principalmente de Flávio Venturini assumindo os teclados, elevaram O Terço para o status de uma das principais bandas do rock nacional. Com essa formação, lançaram o fundamental Criaturas da Noite, onde outra maravilha foi registrada, no caso "1974", mas se não fosse "Amanhecer Total", certamente hoje não teríamos o prazer de cantar os "da-da-di-ra" de "1974", e principalmente, não teríamos a saborosa sensação de ouvir uma maravilha feita em terras brazucas.
E para os que não tiveram a oportunidade de conhecer a versão de Terço com capa-sanduíche, deixo aqui os comentários feitos explicando essa canção:
"o nada decompôs-se, era o princípio o som, fugido do silêncio, surgiu: cada coisa viva fez seu mundo, e vários mundos foram criados verdes, azuis, brancos, vermelhos, amarelos, todos se mesclando. cinza com o som, veio o movimento de pernas e de asas que correram e voaram e foram levar cada qual seu mundo a outros mundos nascentes mas correram e voaram tanto que se perderam pelos verdes e azuis daquela terra. branco, branco amarelo cor do sol luz e sol arco íris brilhando no céu azul
a água foge tropeçando em pedras, o verde vivo ferve, borbulha, evapora-se em bolhas brilhantes. e tudo dança através da terra. a luz, por fim, toca o solo já mais frio e escuro. é o despertar para o sonho. despertar para o sonho acordar do sono eterno despertar sono de pedra trouxe o mundo adormecido despertar agora é dia. despertar da longa noite. despertar o sonho espera as coisas nos envolvem ainda beirando a terra e nos trazem o silêncio com seus sons flutuantes sons flutuantes soltos ao vento sons flutuantes livres vivos eles percorrem o ar numa dança primitiva, unem-se e separam-se divertidamente até serem esmagados contra o ar, para então fugirem para longe, mais longe. mas nós conseguimos vê-los sempre porque eles como círculos de fumaça, girando, eles sobem até desprenderem-se uns dos outros, depois se deixam prender livres numa respiração vegetal, porque querem ser seiva e alimentar um corpo ainda arbusto cujas mãos, presas em galhos finos, dançam também com o vento, se entrelaçando num gesto amoroso, mas cujos pés são raízes cravadas no chão para sempre. primeira luzes no final da estrada. quando finda a longa espera o homem transformado em fera preso em jaulas de ouro e aço confinado em seu espaço? o final da estrada próximo está a cidade morta quer despertar talvez ainda exista dentro dela qualquer coisa que haja vida quando o homem da cidade acordará por seu sonho e ouvirá sons flutuantes e verá cores toantes? a vida talvez já não exista, mas temos que transpor os blocos de cimento da entrada para conhecer os homens da cidade. então talvez amanheça nos campos esquecidos e nas cidades mortas."
Sergio Hinds - guitarra Cesar de Mercês - baixo Vinicius Cantuaria - bateria
Disco e capa em bom estado... Disco sem riscos/"pulos" da agulha, mas com chiados ("batata-frita") perceptíveis em alguns momentos - sem interferir em uma "audição digna" desse raro clássico do rock nacional. Edição Brasileira de 1988. Saindo por R$ 50,00
"Quando Carl Palmer entrou para a escola de música de Guildhall, para ter aulas de tímpano sinfônico, o E.L&P começou a gravar o que talvez possa ser considerado o disco que representou o ponto mais alto em sua carreira: Brain Salad Surgery.
Lançado em Novembro de 1973, tanto na Inglaterra quanto no E.U.A, com um design extremamente diferenciado e exibindo um trabalho fenomenal de H.R.Giger, inspirado numa figura utilizada no filme Allien, o disco foi definido por Palmer como o mais complicado de ser gravado, contrariando seu companheiro Lake que acreditara ser o antecessor Trilogy merecedor deste título.
Nele se encontrava música clássica, pois Toccata adaptada do quarto movimento de um concerto para piano de Ginastera, deixou Emerson muito apreensivo e de fato o levou até seu ídolo para a autorização requerida para a adaptação arrancando uma frase do próprio autor : "esta é maneira que a minha música deve ser tocada"! Isso sem dúvida motivou muitíssimo a banda.
Nele você também encontrava o jazz e o bebop, ouvindo a segunda impressão da suite Karl evil 9. Se prosseguisse na suite até a terceira impressão encontrava um épico !Mas o E.L&P também era uma banda de rock and roll e voce tinha um encontro marcado neste disco com ele ouvindo Karl evil 9 primeira impressão segunda parte.
Gostava de vinhetas ? Ouvindo um jornal noturno da Globo nos anos 70/80, teriamos o "encontro" de uma vinheta de Karl evil 9 na primeira impressão primeira parte. Mas se voce gostava mesmo de baladas acústicas nada melhor que ouvir Still you turn me on com Lake em "momento solo no disco" sua doce voz e o arranjo inesquecível, insubstituível e eterno. Não! mas v/c gostava de rádio! Então era só colocar o disco no início e ouvir a versão pop de um clássico do rádio inglês: Jerusalem. ! Acho que já é possível perceber de que progressivo estamos falando De K. Emerson, Greg Lake e Carl Palmer, como instrumentistas não há o que comentar. A história do rock já os consagrou como virtuosos, cada umas nas suas atribuições."
"Em 1973, no auge de sua mais clássica formação, o Deep Purple surpreende seus fãs com a partida dos dois membros que ajudaram a consolidar este sucesso: Ian Gillan (vocais) e Roger Glover (baixo). Estes haviam substituído, respectivamente, Rod Evans e Nick Simper alguns anos antes e trouxeram o Purple ao seu novo e marcante estilo de fazer rock.
A banda precisava de substitutos à altura, e o primeiro a ser recrutado foi o baixista Glenn Hughes, do Trapeze. Hughes tinha ainda como vantagem, além de seu groove influenciado pelo soul, poderosos vocais. Mas o DP não estava pronto para um vocalista/baixista, e para o posto de frontman foi encontrado (através de uma demo tape) um novato de nome David Coverdale.
Com o grupo restabelecido, eles viajam para a mística cidade de Montreux, na Suíça, e gravam este clássico do rock no mês de novembro do ano de 1973. E de fato, a mudança no line-up não foi nada burocrática, trazendo profundas transformações no som do Purple. O álbum abre magistralmente com a canção-título, que na minha humilde opinião se trata da maior criação do grupo. "Burn" tem um riff poderoso, uma pegada incessante, dois solos lindos e um show de bateria do mestre Ian Paice, que inova ao tocar uma espécie de solo no trecho que contém os versos. Além disso, Coverdale e Hughes dividem os vocais, e ao vivo temos este último abusando fantasticamente do berreiro.
Em seguida chega o primeiro single "Might Just Take Your Life", uma contagiante canção onde o teclado de Jon Lord ganha mais espaço e mais uma vez contamos com o dueto vocal (Hughes chega a fazer dueto com si mesmo, empregando entonações diferentes e alternadas na suas partes).
"Lay Down, Stay Down" é uma canção frenética, com Ian Paice saindo do sério outra vez. Como sempre um riff de guitarra bem sacado do mestre Ritchie Blackmore.
"Sail Away" baixa um pouco a bola, numa canção com um vocal sem a exaltação das anteriores, mas muito bem colocado.
"You Fool No One" tornou-se importante pela sua participação no set ao vivo, onde passava a ter mais de 15 minutos ao incluir solos de teclado e guitarra, mais o solo de bateria de Ian Paice, que abre a música com uma inconfundível levada no cowbell.
"What's Goin' On Here" é um blues irreverente que tem as frases todas alternadas entre os dois vocalistas.
A sétima canção, "Mistreated", é o momento de David Coverdale brilhar. Tornou-se extremamente performática ao vivo, com a interpretação cheia de sentimento do vocalista. Um blues-rock cheio de paradas e um solo simples, porém preciso de Blackmore.
O disco fecha com uma instrumental, "A 200", que conta com algumas viagens de teclados e uma levada de marcha.
No ano de seu lançamento, o Deep Purple faria uma de suas apresentações mais memoráveis, para o programa de TV ABC in Concert. Registrado no disco "California Jam 1974", ficou marcado pelo trecho final do show, quando Ritchie Blackmore, irritado com os produtores do concerto, destrói sua Fender Stratocaster golpeando uma das câmeras da emissora. Essa formação do Purple costuma dividir alguns fãs. Muitos não apreciaram o direcionamento funk/soul que seria tomado nos anos seguintes, até a (provisória) dissolução do grupo em 77.
Deste rompimento surgem novos grupos, de importância inegável, como o Rainbow de Blackmore e o Whitesnake de Coverdale. Mas a maioria dos fãs é simpatizante desta fase diferente, porém sempre criativa de uma das maiores bandas da história do rock.
Million Dollar Quartet é como ficou conhecido o encontro musical entre Elvis Presley, Carl Perkins, Jerry Lee Lewis e Johnny Cash em 4 de Dezembro de 1956 nos estúdios da Sun Records em Memphis, Tennessee.
Esse encontro se deu de forma descontraída se tornando uma "jam session". A maioria das canções cantadas são do gênero gospel e rockabilly. Apesar de aparecer nas fotos e estar no estúdio com os outros, Johnny Cash não cantou nenhuma canção.
Documento absurdamente histórico...
Disco e capa em excelente estado. Edição Brasileira... Série Rarity Saindo por R$ 40,00 alguns dos feras juntos em homenagem a Elvis, logo após sua morte em 1977... pra se ter uma ideia do poder de fogo dos caras:
